Animación de la obra de Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias, dirigido por Juan Ibáñez.
Las instalaciones de Nobuhiro Nakanishi
Nacido en 1976 en Fukuoka (Japón), Nobuhiro Nakanishi es un artista Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Escultura en Kyoto City University of Art. Sus instalaciones, donde utiliza fotografías
impresas sobre película transparente para recrear procesos efímeros,
son imágenes multi-dimensionales en las que los fenómenos naturales son
capturados de manera secuencial, haciendo que el espectador complete de
manera instintiva los instantes omitidos. La relación entre espacio y
tiempo es la base de su obra. Ha realizado numerosas exposiciones
individuales y colectivas a nivel internacional, y tiene colección
permanente en Mori Art Museum (Tokyo), Toyota Municipal Museum of Art (Aichi) y The Museum of Modern Art (Wakayama). Podéis ver más fotografías e instalaciones de Nobuhiro Nakanishi en su web personal.
Vía: My Modern Metropolis.
Banksy desafía a las autoridades
Obra de Banksy inspirada en los Olímpicos.
Arte
El artista ha creado dos obras inspiradas en los Olímpicos, a pesar de que la policía ha sido enfática en prohibir la realización de grafitis durante el evento deportivo por considerarlos una amenaza contra el orden público.
Por: Revistaarcadia.com.
Publicado el: 2012-07-26
Bansky ha creado dos nuevas obras inspiradas en los Olímpicos a pesar de las advertencias de la policía, que ha amenazado con eliminar cualquier grafiti que encuentre mientras se lleva a cabo el evento deportivo.Las obras aparecieron en la página web de Banksy días después de que varios artistas callejeros fueran arrestados en una barrida preventiva que realizaron las autoridades para prohibirles comprar pintura o acercarse a las paredes londineses. Debido a que las nuevas piezas de Banksy aparecieron luego de este acontecimiento, los medios ingleses han considerado que es un desafío del artista a la policía.
Una de las obras representa a un lanzador de jabalina que en realidad lanza un misil; la otra, a un saltador de garrocha que intentar pasar sobre una cerca para caer en un viejo colchón.
Todavía se desconocen las paredes en las que Banksy presentó su trabajo, pero la intención de la policía es proteger la integridad de los Olímpicos, así que es muy probable que destruya los grafitis si llega a encontrarlos, a pesar de que una pieza de Banksy puede costar más de 100.000 dólares.
Después del arresto, la policía dejó muy claro que los artistas callejeros no podrán acercarse a ningún tipo de pintura hasta noviembre, y tampoco podrán ingresar al sistema de trenes de la ciudad, así que la aparición de Banksy sí es retadora. Falta ver cómo asumen las autoridades el desafío.
Julie Mehretu
“Creo
que, en mi caso, al principio los cuadros nacieron de mis dibujos. El
impulso la voluntad inicial de investigación era intentar desarrollar
mediante el dibujo un lenguaje capaz de comunicar distintos tipos de
narrativa y levantar un paisaje urbano en el que cada trazo tenga
carácter propio, un modus operandi de comportamiento social. Cuando
empezaron a crecer y desarrollarse en el dibujo, quise verlos matizados
en varias capas, construir una dimensión espacial y temporal diferente
en las narrativas”
La obra de Julie Mehretu se basa en la combinación de la pintura y el dibujo, llamado por ella misma “dibujar en la pintura”. Mehretu
hace una separación física del dibujo, representándolo únicamente como
la forma y los símbolos, y la pintura como la representación base del
color: con esto se ha logrado crear un lenguaje muy particular que se
lleva a cabo a murales y en retablos, mediante la utilización de varias
capas lechosas y semitransparente de colores que luego retoca con trazos
de dibujo.
No podríamos definir el estilo de Julie Mehretu tan fácilmente: no podríamos siquiera definirlo como algo estable. Nos encontramos con un lenguaje abstracto y cambiante que contiene pinceladas, graffiti, caligrafía, paisajismo, elementos góticos, alusiones arquitectónicas etc.
Nos
encontramos también con diseños de tatuajes, símbolos de banderas,
elementos del cómic, entre otros, que actúan (después de haber sido
agrupados por la artista) como unidades separadas del conjunto de la
escena.
Mehretu
es una artista de una gigante complejidad, donde se nos plantea un
equilibrio entre la fusión y la separación de elementos plásticos,
expresado con un lenguaje nuevo y metafórico que se basa, precisamente,
en el equilibrio de la fusión y la separación de ciertos elementos de
nuestro día a día, de la historia y de nuestras percepciones.
Tauba Auerbach Trabajos
Hay discursos que son extrapolables a cualquier
lenguaje. Si como discurso tomamos la exploración y experimentación
sobre el espacio, el color y la percepción humana de estos, sin duda
tenemos un campo infinito para el desarrollo de una obra como la de Tauba Auerbach. Con una línea bien definida, las muy variadas obras de Auerbach
hacen uso de cualquier herramienta disponible para contar una historia
sin principio, ni fin. Un juego de comunicación básica donde va
analizando los conceptos adquiridos de espacio y sus tres dimensiones, y
como el color define tal espacio, pero también la alteración de dichos
conceptos bajo diferentes experimentos. Para ello hace uso de medios
digitales, telas, libros, pintura, tipografía...
El color es uno de sus más fuertes aliados a la hora de desvelar este
tipo historias. Una de sus más recientes exposiciones llevaba por título
Tetrachromatic a modo de homenaje y exploración de una nueva teoría del color frente a la clásica versión rojo-verde-azul (Trichromatic).
Según esta teoría quizás un pequeño grupo de personas (exclusívamente
mujeres) poseen un cuarto receptor de color. De ser demostrada esta
teoría, significaría un cambio radical en nuestra visión del mundo.
Quizás Tauba sea una de ellas, lo único seguro es que su obra por si misma ya es un cambio de visión sobre el mundo conocido.
Los territorios (re)urbanizados
de Mark Bradford
Escrito por jose barreda
Lo suyo es el collage y el reciclaje de elementos y materiales muy
disimiles para ponerlos al servicio de una estructura que nos recuerda
el plano y la trama urbana. Su obra, pasada la primera impresión de
caos, edifica espacios geométricos ordenados y estructuras de relaciones
inexplicablemente lógicas a pesar de nuestro desconocimiento sobre las
funciones que dan vida a aquel espacio visual. A su manera, Mark
Bradford, realiza un armonioso tributo a la racionalidad del conjunto y
al valor de lo fugaz.
Fragmento
Mark Bradford
Mark Bradford
jose barreda
Es evidente que la construcción plástica de Mark Bradford se vale de
medios poco convencionales para su ejecución y los parámetros que sigue
se encuentran bastante lejos del lenguaje estricto seguido para la
concepción y factura de planos o mapas al uso, sin embargo tengo la
impresión que, a pesar de ello, algunos de sus principales apuestas en
lo referente a comunicación son muy similares y los resultados guardan
no pocas coincidencias.
Kryptonite, 2006
Mark Bradford
Mark Bradford
The Devil Is Beating His Wife, 2003
Mark Bradford
Mark Bradford
Vínculos:
Kerstin Brätsch and Adele Röder
Kerstin Bratsch radicado en Nueva York, artista que nació en Hamburgo,
Alemania, en 1979. Sus pinturas se alternan entre la lejana
perspectiva de una tercera persona y un entusiasta, consigna-como la voz de
la promoción de la Kerstin Bratsch "marca". Bratsch se asoció con Adele
Röder en 2007 para fundar la agencia de importación y exportación DAS
INSTITUT, en línea con su idea "una sola mujer-artista" concepto
no menos conservador que el de "hombre artista" modelo. Su pintura es la
crítica institucional en forma de acción decidida. Bratsch decide conscientemente colaborar con otros artistas y utiliza el humor para
socavar sutilmente estereotipos y nociones convencionales de lo que
significa ser un artista. Sin embargo, ella no se detiene en las
estrategias de subversión, que también puede ser muy "en tu cara",
destruyendo las pretensiones de la pintura con su aura uso irónico de
los gestos pictóricos introducidos por la nueva generación de artistas
masculinos que vinieron antes que ella. Ella recoge en las estrategias
de la desilusión de los pintores como Martin Kippenberger y Albert
Oehlen y sucinta los desafíos de los patrones de seducción y el lenguaje
expresivo de la pintura. Ella los medios son sus propias piezas en la
Agencia que extraen de las empresas las plantillas o
modelos, conscientemente sometidos a los procesos de producción
económica. Lo que al principio parece ser una exageración salvaje que
camina una fina línea entre el arte, de punto, materiales, juegos de rol
y la comercialización es también un comentario de punta en el mundo del
arte, una propuesta de la pintura y sus posibilidades.
Kerstin Brätsch (German, born 1979)
2010. Oil on paper, 109 1/2 x 72" (278 x 183 cm). The Fund for the Twenty-First Century
Kerstin Brätsch (German, born 1979)
2010. Oil on mylar and digitally printed silk fabrics with ribbon, in
five parts, Each approximately 150 x 48 1/16" (381 x 122 cm). Gift of
Dakis Joannou
Urs Fischer (1973) Vicisitudes Resueltas
¿Qué
es lo que tienen que decir las palabras cuando las vicisitudes son
presencias instaladas? No hay que preguntárselo al suizo FISCHER pues él
ya lo ha contestado y nos ha deslumbrado.
Si
yaciésemos esculpidos en el recorrido de estos acontecimientos, nuestro
paseo mental emprendería sucesiones incontroladas de momentos y
ocasiones. La visión nos provocará derrotas y alucinaciones sean cuales
sean las coordenadas que tomemos. El artista deja una sola dirección
entre tanta soledad escenográfica con el fin de que el acto de morir
posea la dramaturgia conveniente. Si seguimos ruta el panteón abre
puertas y rompe paredes, si nos quedamos quietos la oración no nos
sirve. 
Para
que las soluciones estén dadas debemos continuar, ver, caminar, no
cejar, ya sea con uno u otro entendimiento, con una u otra perspectiva.
Quizá el instinto de vida sea el mismo que el de muerte, o no, pero lo
que se representa ha de mostrarse tal como nos lo presenta el creador.
Aunque todavía resultará insuficiente. 
Wade Guyton
Video
Nacido en 1972, Hammond, Indiana
Recientemente he estado usando impresoras Epson de inyección de tinta y
escáners como herramientas para hacer obras que actúan como dibujos,
pinturas, esculturas, incluso. Me paso mucho tiempo con libros por lo
que lógicamente he terminado por usar la páginas de los libros como
material. Páginas arrancadas de libros metidas a través de una impresora
de inyección de tinta. He estado usando un vocabulario muy recortado
de formas simples y letras dibujadas o impresas en Microsoft Word, a
continuación, impresas en la parte superior de estas páginas de
catálogos, revistas, carteles, e incluso lienzos en blanco.
Las imágenes resultantes no son exactamente para lo que las máquinas
están diseñadas -para fotografías digitales. A menudo hay una lucha
entre la impresora y mi material y las huellas de esto se quedan en la
superficie-ganchos, chorreos, rayas, mis registros, desdibujados.
foundationforcontemporaryarts
Glenn Ligon
VideoVideo1
Página Oficial
Glenn Ligon es un americano artista conceptual cuyo trabajo explora la raza, el idioma, el deseo, la sexualidad y la identidad. Se dedica a la intertextualidad con otras obras de las artes visuales, la literatura y la historia, así como su propia vida.
Exposiciones
Ligon trabajo ha sido objeto de exposiciones en los Estados Unidos y Europa. Exposición individual recientes incluyen el Studio Museum en Harlem, Nueva York (2001), la Kunstverein München, Alemania (2001), el Walker Art Center , Minneapolis (2000), el San Louis Art Museum (2000), el Institute of Contemporary Art , Filadelfia (1998), y el San Francisco Museum of Modern Art (1996). [14] Una primera encuesta de trabajo Ligon se abrió en la Power Plant de Toronto en junio de 2005 y viajó a la Andy Warhol Museum de Pittsburgh, Museo de Arte Contemporáneo de Houston, Wexner Center for the Arts en Columbus, Morris y Helen Belkin Art Gallery en Vancouver, y el Mudam en Luxemburgo. El primer examen amplio de mitad de carrera retrospectiva dedicada al trabajo de Ligon se celebró en el Museo Whitney de Arte Americano y el Los Angeles County Museum of Art en 2011. [15] Las muestras colectivas en las que Ligon ha participado incluyen la Bienal de Whitney (1991 y 1993) , Bienal de Sydney (1996), Bienal de Venecia (1997), Bienal de Kwangju (2000), y la Documenta 11 (2002).
Colecciones
Trabajo Ligon está representada en numerosas colecciones públicas, como el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , el Museo de Arte Moderno , Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia , Filadelfia, el Museo Guggenheim , Nueva York, la Tate Modern , de Londres, el Walker Art Centro , de Minneapolis, y el Whitney Museum of American Art , Nueva York.
Reconocimiento
En 2005, ganó un Ligon Alphonse Fletcher Fundación de Becas para su obra de arte. En 2006 fue galardonado con la Medalla Skowhegan de Pintura. En 2010, ganó una de los Estados Unidos Artistas premio Fellow.
En 2009, el presidente Barack Obama, añadió Negro Como Yo Ligon 1992 N º 2, cedida por el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas , a la Casa Blanca de recogida, donde se instaló en cuartos de la Presidenta de vida privada.
Seth Price
Texto Completo
Uno de los métodos más exitosos que ha tenido el proyecto de arte conceptual es la forma en que ha acaparado nuevos territorios para ponerse en práctica. Incluso, es una tendencia que ha sido muy notable: actualmente pareciera ser que la mayoría de las obras en el circuito de arte internacional se posicionan, en menor o mayor grado, como conceptuales, teniendo al “pintor conceptual”, al “DJ y artista conceptual” y al “artista conceptual de nuevos medios”.
Alberto García-Alix premio PhotoEspaña 2012
La exposición 'Archivo de sombras' de Toni Catany gana el Premio Festival Off de PHotoEspaña 2012
El jurado ha querido reconocer con la concesión de este premio el 'compromiso con la obra fotográfica' que la galería siempre ha mostrado, así como a la exposición en sí misma, calificando a Catany como un 'clásico vivo cuya obra sobria, aunque contundente, es un fiel reflejo de la esencia fotografía'.
2/07/2012 |
Una exposición analiza la tradición del "lunch" en Nueva York
El ritmo frenético de la ciudad ha creado una cultura en torno al 'break' laboral
El 'lunch', o sea, la comida, pero no a las 14:00 ni a las 15:00 sino a las 12:00, es en el mundo anglosajón, un almuerzo comedido de los trabajadores que les ayuda a aguantar hasta llegar a casa y cenar, a eso de las 18:00 horas. Una muestra en Nueva York analiza ahora los 150 años de tradición del 'lunch' desde el punto de vista social
La exposicion 'Lunch Hour NYC', organizada por la Biblioteca Pública de Nueva York hasta febrero de 2013, muestra fotos de archivo, cuadros, dibujos y grabados, documentación y objetos relacionados con el 'lunch'. Te traemos una pequeña representación en esta galería de fotos.
MÁS EN MSN
Johan Thörnqvist, artista sueco que mezcla fotografía y dibujo con gran
habilidad, creando imágenes de fantasía y de gran detalle, divertidas y
cotidianas también.
La exposicion 'Lunch Hour NYC', organizada por la Biblioteca Pública de Nueva York hasta febrero de 2013, muestra fotos de archivo, cuadros, dibujos y grabados, documentación y objetos relacionados con el 'lunch'. Te traemos una pequeña representación en esta galería de fotos.
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Johan Thörnqvist
Johan Thörnqvist, artista sueco que mezcla fotografía y dibujo con gran
habilidad, creando imágenes de fantasía y de gran detalle, divertidas y
cotidianas también.
Fuente: son-risasysilencios.blogspot.com
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