"Puente" de Costanza De Rogatis
Inauguración 07 de JULIO a las 7pm. En Galería TRESy3
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"Puente" de Costanza De Rogatis Fotografía Cortesía de Galería TRESy3
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Costanza De Rogatis presenta un trabajo intimista que juega a transformar las emociones en composiciones visuales a través de la fotografía
Atrapadas entre lo abstracto y lo
figurativo, las imágenes atraviesan la sala como si trataran de formar
versos. Las fotos transpiran emociones, los objetos cobran sentido y
traducen aquello que las palabras fallan en describir. Costanza De
Rogatis consigue, desde sus fotografías, atravesar el vacío de la
inexpresividad.
Puente, compuesta por 31 imágenes, surgió de la intuición de su autora. De una necesidad muy íntima por asirse de emociones que intentaba identificar. En un deseo por expresar lo imposible, juega con los objetos, la naturaleza y la anatomía femenina para lograr sus fotografías.
“De alguna manera, son emociones no dichas que se superponen como si dialogaran entre ellas y con el espacio, sin perder la esencia que cada una tiene en sí misma –relata De Rogatis–. La fotografía me permite tomar cosas del afuera en las que identifico, reconozco, algo que está presente en mí, que me ayudan a exteriorizar lo que siento en ese momento”.
En Puente, las imágenes pierden sentido del tiempo y el espacio. Erik Del Bufalo define esta exhibición como “fragmentos de realidad y testimonios de la vida”, que van uniéndose no tanto con una continuidad narrativa pero sí con un sentido completamente emocional. En el texto de sala, Del Bufalo, describe las fotografías como “los vestigios de un mundo como arrojado ante nosotros por un azar incomprensible”.
El trabajo “no se trata de una simple recolección, de una ‘serie’ eventual, contingente. Se trata, en realidad, de un pasaje, de una travesía, pues los objetos fotografiados están solo de tránsito, haciendo escala hacia otra dimensión”, continúa Del Bufalo.
Puente inaugura el próximo jueves 07 de julio a las 7:00 pm en la Galería TRESy3 y podrá visitarse hasta el 07 de agosto de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm y sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm. El local está ubicado en la calle California, Residencias Sonora PB-1, Las Mercedes, Caracas (diagonal a General Import y al lado del California Mall).
Para mayor información sobre la exposición, puedes visitar la página web www.tresy3.com y seguirnos en las redes sociales Twitter e Instagram: @culturatresy3 y Facebook: Cultura TRESy3.
Costanza De Rogatis
(Caracas, 1976) Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela. Fotógrafa diplomada en el programa Trienal de la Fondazione Studio Marangoni en Florencia, Italia. Ha realizado curadurías de arte venezolano para instituciones como el Museo Alejandro Otero, el Museo Carlos Cruz-Diez y la Sala Mendoza. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox entre otros. Su trabajo ha sido exhibido en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa y publicado en la revista OjodePez y Rearviewmirror Magazine. Actualmente se desempeña como curadora de la Colección de Arte de Fundación Empresas Polar. Paralelamente desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente.
Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en la exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones sobre los trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En febrero 2015, con sólo 2 años de haber abierto sus puertas, la Galería TRESy3 ya ha hospedado más de 12 muestras, entre individuales y colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos en este corto período de tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su dedicación y promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en Venezuela.
Puente, compuesta por 31 imágenes, surgió de la intuición de su autora. De una necesidad muy íntima por asirse de emociones que intentaba identificar. En un deseo por expresar lo imposible, juega con los objetos, la naturaleza y la anatomía femenina para lograr sus fotografías.
“De alguna manera, son emociones no dichas que se superponen como si dialogaran entre ellas y con el espacio, sin perder la esencia que cada una tiene en sí misma –relata De Rogatis–. La fotografía me permite tomar cosas del afuera en las que identifico, reconozco, algo que está presente en mí, que me ayudan a exteriorizar lo que siento en ese momento”.
En Puente, las imágenes pierden sentido del tiempo y el espacio. Erik Del Bufalo define esta exhibición como “fragmentos de realidad y testimonios de la vida”, que van uniéndose no tanto con una continuidad narrativa pero sí con un sentido completamente emocional. En el texto de sala, Del Bufalo, describe las fotografías como “los vestigios de un mundo como arrojado ante nosotros por un azar incomprensible”.
El trabajo “no se trata de una simple recolección, de una ‘serie’ eventual, contingente. Se trata, en realidad, de un pasaje, de una travesía, pues los objetos fotografiados están solo de tránsito, haciendo escala hacia otra dimensión”, continúa Del Bufalo.
Puente inaugura el próximo jueves 07 de julio a las 7:00 pm en la Galería TRESy3 y podrá visitarse hasta el 07 de agosto de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm y sábados y domingos de 11:00 am a 4:00 pm. El local está ubicado en la calle California, Residencias Sonora PB-1, Las Mercedes, Caracas (diagonal a General Import y al lado del California Mall).
Para mayor información sobre la exposición, puedes visitar la página web www.tresy3.com y seguirnos en las redes sociales Twitter e Instagram: @culturatresy3 y Facebook: Cultura TRESy3.
Costanza De Rogatis
(Caracas, 1976) Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela. Fotógrafa diplomada en el programa Trienal de la Fondazione Studio Marangoni en Florencia, Italia. Ha realizado curadurías de arte venezolano para instituciones como el Museo Alejandro Otero, el Museo Carlos Cruz-Diez y la Sala Mendoza. Como parte de su formación fotográfica ha participado en diversos workshops con reconocidos fotógrafos como Rineke Dikjstra, Arno Minkkinen, Elina Brotherus, Abelardo Morell, y Anna Fox entre otros. Su trabajo ha sido exhibido en diversas exposiciones colectivas en Venezuela y Europa y publicado en la revista OjodePez y Rearviewmirror Magazine. Actualmente se desempeña como curadora de la Colección de Arte de Fundación Empresas Polar. Paralelamente desarrolla su trabajo fotográfico de modo independiente.
Galería TRESy3 es un centro cultural joven ubicado en Caracas, Venezuela. Es una galería contemporánea que se especializa en la exhibición de fotografía complementándola con charlas y discusiones sobre los trabajos y libros de fotógrafos alrededor del mundo. En febrero 2015, con sólo 2 años de haber abierto sus puertas, la Galería TRESy3 ya ha hospedado más de 12 muestras, entre individuales y colectivas, reuniendo a más de 40 fotógrafos en este corto período de tiempo, haciéndolo un espacio bien conocido por su dedicación y promoción del siempre-creciente movimiento fotográfico en Venezuela.
TRESy3
(0212) 993 -0330/ 0347/ 0127
Twitter: @culturatresy3
Instagram: @culturatresy3
Facebook: Cultura TRESy3
Calle California, Residencias Sonora, PB-1. Las Mercedes, Caracas.
Pido, Prometo y Pago
Muestra
Individual
Fotografía
Documental de Jorge Luis Santos
Galería Tresy3 de Las Mercedes.
Texto Gladys Calzadilla
Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago
Fotografía Gladys Calzadilla
Fotografía Gladys Calzadilla
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| Charla sobre el Proceso de Creación de Pido, Prometo y Pago Fotografía Gladys Calzadilla |
"no se puede fotografiar
lo que uno no es". Jorge Luis Santos
Jorge Luis Santos
exhibe documentos gráficos de las tradiciones vinculadas con penitencias que se
imponen los protagonistas de las imágenes para expiar culpas, solicitar perdón
o agradecer milagros.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
El dolor, la
penitencia, la devoción, la fe, la alegría, gestos dibujados con luz en blanco y negro entre
2009 y 2016 con ojo de experto. Un trabajo de investigación revelado en 4.000
fotografías captadas en localidades como: Villa de Cura, estado Aragua;
Tinaquillo, estado Cojedes; Chacao, estado Miranda y Caracas, Distrito Capital.
Permite hacer la propuesta, no sólo para esta exposición, sino a futuro la
publicación de un tercer libro cuyo nombre coincide con la muestra Pido,
Prometo y Pago.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
Dedica la muestra
a Luis Brito, cuenta que la idea de la serie surgió luego de ver el trabajo de
un colega brasileño sobre “Los penitentes”. En Caracas, el fotógrafo captó el
fervor de las procesiones de Semana Santa. En el interior de Venezuela reconoce
otras formas de penitencia.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
“Conseguí grupos
de hombres y mujeres que se arrastran por horas sobre el asfalto de las calles,
bajo un sol inclemente, descalzos y atados de manos”.
La museografía realizada
por el artista, arquitecto y curador Alberto Asprino crea in situ una dinámica
grandilocuente, que describe claramente el discurso planteado y sensibiliza al
espectador.
El fotógrafo
argentino Eduardo Segura afirma sobre esta serie que "es un disparo
atómico y doloroso al plexo solar, oscuramente trabajado, oscuramente
iluminado, oscuramente sentido".
Jorge Luis Santos
enfoca su investigación en la penitencia y la fe descrita por medio de la
fotografía documental, cuya temática se vincula con tradiciones populares
relacionadas con la conmemoración de fiestas cristianas.
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| Exposición Pido, Prometo y Pago Fotografías de Jorge Luis Santos |
En relación a su
trayectoria ha realizado Jorge Luis Santos, fotógrafo venezolano, ha realizado18
exposiciones nacionales, 4 internacionales y ha participado en 101 exposiciones
colectivas.
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| Galería Tresy3, Las Mercedes. Muestra Pido, Prometo y Pago de Jorge Luis Santos Fotografía Gladys Calzadilla |
Jorge Luis Santos García, muestra en la Galería Tresy3 de Las Mercedes la serie Pido, prometo y pago,
integrada por 30 imágenes en blanco y negro tomadas en los últimos
siete años. Unas fotos corresponden a Chacao; otras a Santa Teresa (en
Caracas); unas más, a Tinaquillo (estado Cojedes) y algunas a Villa de
Cura (Aragua), representación sentida de la relación humana con la devoción.
Muestra Individual Frágil del Maestro
Víctor Hugo Irazábal
Sala Magis de Arte Contemporáneo de la Universidad Católica Andrés Bello_UCAB
Inaugura HOY 12/05/16 a las 11 am
Equilibrio, potente y sutil, de la
naturaleza
Texto curatorial de Valdivieso, la muestra de Víctor Hugo Irazábal se
impone como “un ecosistema plástico hecho in situ”, donde “la naturaleza
y el ser humano se deben, sin remedio, una al otro”.
La fértil fragilidad de Víctor Hugo Irazábal
@mariagfernandez
mas información
Penínsulas ricardo peña inauguración: domingo, 13 de marzo, 2016 11:30 am Carmen Araujo Arte®
secadero 2, hacienda la trinidad parque cultural
Caracas, Venezuela
-
+58 212 419 82 63 / +58 414 121 07 87
info@carmenaraujoarte.com
www.carmenaraujoarte.com
-
horarios
martes a sábado: 10:00 am a 6:00 pm
domingos: 11:00 am a 4:00 pm
feriados: 11:00 am a 4:00 pm
"Nada es Permanente" exposición del artista plástico Gerald Espinoza
lacaja-nada-es-permanente-gerald-espinoza
Abierto al público de martes a sábado de 1 a 7 pm y domingo de 11 am a 5 pm, entrada libre.
Centro Cultural Chacao
FotoFéminas
Once Miradas Femeninas en la Fotografía Contemporánea
Jueves 17 de Marzo Centro de Arte El Hatillo
Japan Jazz de Helena Arellano Mayz se Presenta en la Gsiete
Inaugura el domingo 6 de
marzo a partir de las 11:00 a.m
Una
instalación de más de 80 grabados conforma la muestra Japan Jazz de la artista
Helena Arellano Mayz, que se inaugura el domingo 6 de marzo a partir de las
11:00 a.m., en la galería Gsiete del Centro de Arte Los Galpones, donde la
artista establece conexiones con el dibujo, el grabado la línea y los sonidos
musicales.
Esta
serie realizada en 30 planchas grabadas en punta seca sobre papel BFKRives y
papel japonés, conforman unos módulos dispuestos en tres colores –negro, rojo y blanco– para crear una
especie de partitura musical, según
explica la investigadora en historia del arte y curadora en artes visuales,
Silvia Benedetti.
“Una
de las infinitas posibilidades para la lectura de esta partitura sería
asignarle un significado (o valor) a los colores del papel, al escrito o trazo,
al papel japonés sobrepuesto, y su ubicación en el espacio expositivo. Al
otorgarle determinado tempo y nota musical a cada módulo, cada uno se leería de
una manera particular y casi imposible de repetir. Esta lectura bastaría para
llamar a cada una de estas piezas «mono-sonidos». A su vez, los espacios vacíos
entre algunos de los módulos se interpretarían como silencios en un pentagrama.
Japan Jazz es la continuación de la obsesión por la escritura y el trazo
depurado de Arellano Mayz, en esta oportunidadinscrito en una sutil referencia
al Japón”, comenta Silvia Benedetti en el texto que acompaña la muestra.
Escritora
y artista, Helena Arellano Mayz vincula en su obra gráfica la línea como
palabra y como nota musical, creando códigos, símbolos y relaciones con la
ciencia y la historia. “El espectador posará su mirada acendrada en los
detalles de cada pieza y entonces ‘escuchará’ los sonidos y los silencios que
le dicten los trazos de cada obra”, expresa la artista.
Helena
Arellano Mayz es una amante del papel y del trazo, que se expresa en la
composición plástica pero también en el ejercicio de la escritura. Tiene una
Licenciatura en Economía de Brown University, EE.UU, obtenida en 1985. En 1986
estudia Fotografía en el Instituto de Diseño Neumann, y entre 1995 y 1998 se
dedica al aprendizaje de técnicas de impresión en Francia: Asiste a Ècole
Estienne (taller de grabado), Atelier de la Ville de Paris (grabado), Les
Ateliers du Carrousel (dibujo experimental). A su regreso a Venezuela trabaja
en el Taller Huella y en el Taller de Artistas Gráficos Asociados TAGA.
Ha
participado en varios salones, concursos nacionales y exposiciones colectivas
como el Salón de fotografía del MACCSI (1986), IV Salón Pirelli (1999), XXV
Salón de Aragua (2000), Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios (2003, 2004,
2005, 2006) obtiene el premio CAF (Corporación Andina de Fomento) (2008), y
varias colectivas de obra en papel, recientemente en el Salon de l’Estampe et
Livres Anciens, Paris (2014, 2015).
Como
muestras individuales exhibió Japan Jazz en la Galerie Document 15, París
(2014), presentó su más reciente colección Trazos y trazas en la Galería GSiete
(2012) y Tesitura Musical en la Residencia Francia (2012). También presentó un
compendio de collages para la Sonatina de Rubén Darío de Camelia Ediciones en El
Buscón (2006) y su colección Melodía a tres voces en la Sala Alternativa Elvira
Neri (2002).
Inicia
su trayectoria en narrativa con la publicación de la novela corta ¿Murciélago o
Mariposa? (2005), a la que siguieron Arandelas de Humo (2006), A Dos Manos (2009), Lances, lunares y luces
(2010); además ha realizado como libros de artista: Diario de P (2007) y Luna
(2011), La Caracas (Amaranthus dubius) Ciudad de verdes (2015) en colaboración
con Katyna Henríquez, Thamara Jiménez, Alexandra Kuhn en el marco del proyecto
Caracas Horizontal.
La
muestra “Japan Jazz” de Helena Arellano Mayz se podrá apreciar hasta mediados
de abril en la Galería Gsiete de Los Galpones, ubicada en la Avenida Ávila con
8va transversal de Los Chorros. El horario es de martes a sábado, de 10:00 a.m.
a 6:00 p.m. y los domingos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. Entrada Libre.
Muestra Colectiva MirArte Actual, espíritu de una época 2.0
1era Muestra Colectiva Avap 2016
MirArte Actual, el espíritu de una época 2.0
Clausura el sábado 27de marzo de 2016, en
la sede de la AVAP en Caracas
Con la presencia de Ernesto Soltero como solista
Con la presencia de Ernesto Soltero como solista
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| Alfa 39259214 Jorge Estrada Belice Técnica Mixta Maestro Homenajeado en la Exposición MirArte Actual en la AVAP Caracas |
La Asociación Venezolana de Artistas Plásticos sede
Caracas, abre su programación 2016 de eventos relacionados con la difusión de
las obras de talento venezolano en las artes visuales. En esta ocasión se
realiza una muestra colectiva de nombre MirArte Actual, el espíritu de una
época 2.0, cuya curadora es la licenciada Gladys Calzadilla.
La curadora comenta: Cuando se plantea en el título de
la exposición la palabra espíritu se representa la energía que nos mueve, la
palabra época detiene el tiempo en este momento año 2016, siglo XXI, en
Venezuela; al presentar el código 2.0 se refiere al comienzo de la interacción
en las redes sociales ahora en su versión 4.0. la cual aprende de sus hábitos
de navegación y toma decisiones por usted.
Y su mimesis con las relaciones, desde los sentidos, entre seres vivos y
la toma de decisiones por la propia experiencia y conocimiento.
En la actualidad se cuestiona la necesidad de crear
objetos, de representar virtualmente, de generar un concepto, de realizar una
acción quedando sólo el registro de los que le observan, tal vez fusionar todo,
o hablar desde la ausencia.
Caos, fragmentos, garabatos nada inocentes, transformar lo desechado en algo admirable,
volver al origen desde el mito, la división del territorio, la acumulación de
códigos, lo decorativo. Tal vez un collages de vertientes de las vanguardias
del siglo XX, ¿confusión o transición?
Algunos referentes del pensamiento humano como Bernard
Stiegler, Martin Heidegger, Theodor W. Adorno, Immanuel Kant, Carlos Marx nos
cuestionan aún. En un esfuerzo de sujeción se traduce en reproductibilidad,
objetualización, producción simbólica insertada en el sistema mnemotécnico
apoyando la industria y la doctrina, obra como objeto de mercado, crítica que
se automatiza para hacer crítica o razón sobrepujada para su destrucción,
nominando panfleto la denuncia o lo que es axioma de eventos que afectan al
humano y evidencian emociones. En una visión: Preservar el lugar para la
reflexión y el sentimiento o evadir y adaptarse.
El maestro homenajeado es Jorge Estrada su obra
hibridación entre técnicas de impresión actuales con la fusión del dibujo, la
fotografía y el retoque fotográfico, nos plantea como temática la violencia de
la imagen y el discurso. Es especialista en Artes Gráficas egresado de la
Escuela de Artes Plásticas “Cristóbal Rojas” de la cual posteriormente fue
docente. Ha recibido los siguientes reconocimientos Premio TAGA y Mención del
CONAC, en la II Bienal de Dibujo y Grabado Latinoamericano, Caracas, Venezuela,
1984. Seis Dibujantes Contemporáneos de Venezuela, Galería de las Misiones,
1989, New York, U.S.A. Nuevos Nombres en el Grabado, 1980, Bogotá, Colombia.
Artistas Hispanoamericanos, 1975. Su obra es parte de la colección de museos
nacionales.
El establecer nuevos paradigmas requiere de una
acentuada observación, de extraer algo que le inquieta, explorar y detectar en
la historia algún vínculo, el pensar en posibilidades futuras, captando
escenarios actuales, desde una reflexiva revisión del impacto de estos
acontecimientos en el mundo interior del artista, su conexión, aporte al
gremio, a los espectadores y su huella en el sistema. Planteamos ¿dónde
estamos? y ¿para dónde vamos en las artes? Problematizar un gremio en pro de
hurgar lo que se requiere comunicar en este tiempo.
En esta muestra colectiva pueden observar obras que
evidencian las inquietudes y motivaciones que plantean dieciocho (18) artistas
y su visión del arte actual. Los artistas participantes son: Jorge Estrada, John Fraser, Esther Perozo,
Romel Avendaño, Roberto Núñez, Patricia Benfele, Nelson Darío Ramos , Belkis
Duque, Aaron León, Gladys Calzadilla, Enrico Armas, Amarillo Piña, Dulce
Fonseka, Ernesto Padilla, Lenore Delgado, Douglas Hernández, Rubén López y
María Elena Álvarez.
Muestra Colectiva MirArte Actual, espíritu de una época 2.0
Fecha de Clausura: El sábado 27 de Marzo de 2016
Lugar: en la sede de la AVAP en Caracas
Dirección: Calle Armando Reverón, Quinta AVAP, La
Campiña, Caracas.
#AvapCaracas, #MirArteActual, #GladysCalzadilla,
#ArteActualVenezolano.
Colectiva Libres por el Arte
Curaduría Fidel Pirona
AVAP -Asociación Venezolana de Artistas Plásticos
Sábado 2 de Agosto de 2014 de 3 a 8 pm
en la sede de la AVAP se inaugura la exposición colectiva "Libres por el Arte"
Con la participación de la Agrupación Amicorum.
Los
artistas que participan en la muestra son: Gladys Calzadilla, Daniela
Laberne, Norín, Daniel González, Sabas Martell, Aarón León, José Luis
Castillo, Tabata Ramírez, Andreina Acero, Josue Saénz, Mauricio León e
Israel Rojas, Amarillo Piña y el Maestro Enrico Armas.
Con
esta inauguración la Avap abre sus espacios para dictar talleres a
excelentes precios, en diversas disciplinas, con artistas- talleristas
calíficados, para distintas edades.
Con
la curaduría de Fidel Pirona y la coordinación de Andrés Piña esta
exposición une lenguajes diversos del arte actual en propuestas
polémicas, cada uno de los artistas invitados, la presentará al público
en futuros encuentros que serán anunciados posteriormente.
Pueden disfrutar esta muestra hasta el 22 de Agosto.
LA CAMPIÑA CALLE ARMANDO REVERON CASA "AVAP"
LA CAMPIÑA CALLE ARMANDO REVERON CASA "AVAP"
Exposición Del individuo y otros microorganismos, de Marcel de Castillo.
Domingo 3 de agosto, a las 11 de la mañana.
Museo de la Estampa y el Diseño
"Carlos Cruz Diez"
Inaugura el espacio MEDIvierto
Trae tu franela y estampa
Fundación Museos Nacionales
Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez
Avenida Bolívar entre Calle Sur 11 y Este 8. Paseo Vargas, Caracas.
Central 0212-571.24.01 Fax 0212-572.14.76
F. museoedccd T. @museocruzdiez
El discurso de la imagen
Museo de la Estampa y el Diseño "Carlos Cruz Diez" - MEDI
Sala 2A
Av. Bolívar entre calle Sur 11 y Este 8, Paseo Vargas, Caracas
Trans-Género, Trans-Génico
en el MAC Sala 7CUATRO MAS CUATRO
Fotografía
Gabriela Gamboa, Magdalena Ferré, Lubeshka Suárez, Mali Larralde.
Carlos Germán Rojas, Javier León, Julio Irribarren, Daniel Camacara.
Galería 39
Ubicación: Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quita La Casona. Nº 37. El Hatillo
Inauguración Sábado 27 de abril de 2013
Horario 11 am a 4 pm
Liu Bolin y el arte de mimetizarse protagonizan exposición en la Galería Freites
Ground Zero
La peculiar obra del reconocido artista, escultor y fotógrafo chino, Liu Bolin, podrá ser apreciada en Caracas a través de una exposición que será inaugurada el sábado 13 de abril a las 11:00 de la mañana, en la Galería Freites, y que podrá ser visitada hasta el 02 de junio.
Bajo el título Liu Bolin, esta muestra la conforman unas 20 fotografías en mediano y gran formato,
en las que el artista aborda, según palabras de la curadora e
investigadora de artes visuales María Luz Cárdenas, “la reflexión acerca
de la posición del individuo en una sociedad que lo abruma y le hace
desaparecer en la masa, de un enfrentamiento al autoritarismo y los
sistemas represivos en su propio contexto cultural en China; pero que
puede ser también extendido a la condición humana general cada vez más
alienada, insignificante y extraviada en los laberintos urbanos”.
Conocido por sus fotografías donde se mimetiza con el entorno para
hacerse invisible, Liu Bolin comenzó a utilizar su propio cuerpo como
centro de su obra ante la dificultad que padecían los creadores en su
país para acceder a los materiales, recursos plásticos y soportes
requeridos para expresar su arte, y como una manera de protestar contra
su gobierno por hostigar y perseguir constantemente a los artistas.
Coal Pile
A raíz de la decisión del gobierno chino de destruir la
ciudad-residencia de 126 artistas Suo Jia Cun, donde Liu tenía su
estudio, el artista inició lo que más tarde sería su obra más
importante, "Escondido en la Ciudad", al realizar un
acto de camuflaje, donde su cuerpo pintado en blanco y gris como los
muros demolidos, se mimetizaba con los escombros de los talleres y
viviendas que dejaban las aplanadoras.
Según afirma María Luz Cárdenas en el texto de la muestra, desde
entonces “crecieron considerablemente las posibilidades de ingresar
desapercibidamente en los más diversos escenarios arquitectónicos y
urbanos (…) Como un camaleón, fusiona su imagen con un entorno cambiante
que va desde monumentos a demoliciones de edificios, calles o
paisajes”.
A juicio de esta especialista, el proceso de ejecución de cada
intervención pictórico-corporal es implacable, meticuloso, de extremo
rigor y perfección. “Dentro del proceso, jamás incorpora otro recurso
que no sea el cuerpo, la pintura y la cámara fotográfica, pero el
entorno inevitablemente pasa a formar parte de una obra total en la cual
parece echarnos en cara que las personas han dejado de tener
importancia y perfil definido en medio del mundo que les rodea. Allí
funcionan todas las más diversas técnicas y disciplinas: escultura,
pintura, retrato, paisaje, cuadro vivo, trompe l’oeil, naturaleza
muerta, integración urbana, instalación y fotografía. La silueta apenas
se adivina en el rastro de una presencia borrosa”.
Decorated With the Locomotive
Nacido en 1973 en Shandong (China), Liu Bolin realizó su primera
individual en 1998, y desde entonces ha expuesto su trabajo en museos y
galerías de China, Venezuela, Estados Unidos, Italia, Francia, Suecia,
Rusia, Austria y Alemania. De igual manera, su obra forma parte de
numerosas colecciones públicas y privadas en Estados Unidos, Francia,
Italia, Israel, España y Reino Unido.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la obra de este gran
artista a través de la Exposición Liu Bolin, que se estará exhibiendo
del 13 de abril al 02 de junio en la Galería Freites, ubicada en la
Avenida Orinoco de Las Mercedes. El horario de exposición es de lunes a
viernes de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 2:00 p.m. a 6:00 p.m.; los sábados
de 10:00 a.m. a 2:00 p.m.; y los domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La
entrada es libre.
Liu Bolin
Del 13 de abril al 2 de junio de 2013
Del 13 de abril al 2 de junio de 2013
Galería Freites
Av. Orinoco, Las Mercedes, Caracas, Venezuela
Tel: (58)(212) 993.2549
www.galeriafreites.com
Av. Orinoco, Las Mercedes, Caracas, Venezuela
Tel: (58)(212) 993.2549
www.galeriafreites.com
Prensa: Marisela Montes
70 años de Fotoperiodismo en Venezuela – Centro de Estudios Fotográficos
La curaduría de la muestra fue realizada por el reconocido fotógrafo Vasco Szinetar
La exposición
“70 años de fotoperiodismo en Venezuela” en los espacios del Centro de
Artes Integradas, en Caracas. La muestra, que reúne 77 imágenes, se
inspira en el libro homónimo que fue patrocinado por Banesco Banco
Universal y Editorial Cyngular.
La exposición estará en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas, localizado en Terrazas del Ávila, vía Universidad Metropolitana. La actividad ha sido apoyada por Banesco, el Centro de Artes Integradas y el Centro de Estudios Fotográficos – CiEF, con la colaboración de la Sala Mendoza.
La muestra estará abierta al público por 2 meses y puede ser visitada de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5 p.m. Como parte de la exposición se realizarán tertulias, charlas y encuentros con historiadores, periodistas y fotógrafos; que complementan la visión que la muestra presenta.
Los visitantes a la exposición disfrutarán de las fotografías de reconocidos fotorreporteros de ayer y hoy como Francisco Edmundo “Gordo” Pérez, Luigi Scotto, Héctor Rondón, Enrique Rivas, Francisco “Frasso” Solórzano, Venancio Alcázares, Tom Grillo, Ernesto Morgado, Nelson Castro, Iván González, Sandra Bracho, Enio Perdomo, Gabriel Osorio y Efrén Hernández.
Hasta 17 de Mayo
Entrada libre.
Centro de Artes Integradas
Montaña creativa, Vía UNIMET, Terrazas del Ávila
Tel: 0212-6243357
www.ciefve.com
Prensa CIEF
La exposición estará en la Sala William Werner del Centro de Artes Integradas, localizado en Terrazas del Ávila, vía Universidad Metropolitana. La actividad ha sido apoyada por Banesco, el Centro de Artes Integradas y el Centro de Estudios Fotográficos – CiEF, con la colaboración de la Sala Mendoza.
La muestra estará abierta al público por 2 meses y puede ser visitada de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 5 p.m. Como parte de la exposición se realizarán tertulias, charlas y encuentros con historiadores, periodistas y fotógrafos; que complementan la visión que la muestra presenta.
Los visitantes a la exposición disfrutarán de las fotografías de reconocidos fotorreporteros de ayer y hoy como Francisco Edmundo “Gordo” Pérez, Luigi Scotto, Héctor Rondón, Enrique Rivas, Francisco “Frasso” Solórzano, Venancio Alcázares, Tom Grillo, Ernesto Morgado, Nelson Castro, Iván González, Sandra Bracho, Enio Perdomo, Gabriel Osorio y Efrén Hernández.
Hasta 17 de Mayo
Entrada libre.
Centro de Artes Integradas
Montaña creativa, Vía UNIMET, Terrazas del Ávila
Tel: 0212-6243357
www.ciefve.com
Prensa CIEF
7 fotógrafos exponen sus ‘Destellos y Reflejos’ - Estudio Arte 8
Participan los fotógrafos Ilse Dagnino, Salvador Falcón Lairet,
Pachi Galavis, Marienna García-Gallo, María Fernanda Lairet, Lubeshka
Suárez, y Rodrigo Ungaro.
Rayos que encienden y resplandecen nuestro entorno, chispas de luz
que nos embellecen la vida, son capturados por un ojo creativo para
impactarnos con un panorama que se convierte en ficción, en un cuento
surreal, en un paisaje digno de observar y admirar, una y otra vez, en
una obra de arte.
Los destellos de luz, representantes del movimiento, enaltecen y expanden el foco del fotógrafo, oscureciendo lo más lejano. A veces, los destellos son la trayectoria de un objeto que el fotógrafo hace bailar y correr de un extremo al otro, y en otros momentos parecen pinceladas que dibujan el espacio simulando una pintura.
Los reflejos son el espejo de una realidad que no siempre
percibimos... la observa el que contempla con un lente curioso y se toma
un tiempo para capturar de manera minuciosa la textura, las
transparencias y el brillo que se refleja en cualquier superficie. El
brillo de esos reflejos a veces se convierten en destellos si hay alta
exposición de luz.
Cuando hay reflejos, hay poesía. Si hay destellos, hay música. Los destellos se producen por un instante y dan paso a otro formando una estela, o una canción, en la cual cada sonido compone un cuadro de destellos, protagonistas de una orquesta formada de luces individuales, no un espejo como parece ser el reflejo.
Pero, sin poesía no habría música… sin luz no hay resplandor de la belleza. La música está compuesta por poetas, así como los destellos de reflejos.
Mariela Lairet
Curadora y Directora
Destellos y Reflejos
Colectiva de fotografía
Inauguración: 04 de abril de 2013 – 6:00pm
Estudio Arte 8
Av. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2, Ofic. 5 (0201)
Las Mercedes. Caracas 1060. Venezuela.
Telf. +58 212 991.30.50
www.estudioarte8.com
Lubeshka Suárez
Los destellos de luz, representantes del movimiento, enaltecen y expanden el foco del fotógrafo, oscureciendo lo más lejano. A veces, los destellos son la trayectoria de un objeto que el fotógrafo hace bailar y correr de un extremo al otro, y en otros momentos parecen pinceladas que dibujan el espacio simulando una pintura.
Pachi Galavis
Cuando hay reflejos, hay poesía. Si hay destellos, hay música. Los destellos se producen por un instante y dan paso a otro formando una estela, o una canción, en la cual cada sonido compone un cuadro de destellos, protagonistas de una orquesta formada de luces individuales, no un espejo como parece ser el reflejo.
Pero, sin poesía no habría música… sin luz no hay resplandor de la belleza. La música está compuesta por poetas, así como los destellos de reflejos.
Mariela Lairet
Curadora y Directora
Destellos y Reflejos
Colectiva de fotografía
Inauguración: 04 de abril de 2013 – 6:00pm
Estudio Arte 8
Av. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2, Ofic. 5 (0201)
Las Mercedes. Caracas 1060. Venezuela.
Telf. +58 212 991.30.50
www.estudioarte8.com
“Caligrafía y color: Caracas modus vivendi”,
Fotografía Daniel Hernández
En la sala 3B
Museo de la Estampa
y el Diseño Carlos Cruz Diez.
Dirección: avenida Bolívar, entre Calles Sur 11 y Este 8, Paseo Vargas en Caracas.
Dirección: avenida Bolívar, entre Calles Sur 11 y Este 8, Paseo Vargas en Caracas.
Se abre una opción con un concepto diferente en el arte actual venezolano
Espacio 2C inaugura con Tulio Peraza
Hasta el 21 de abril
Es un concepto definitivamente diferente, espacio 2C ofrece
al artista asesoría y un lugar donde exhibir sus obras, depurando su portafolio.
Le permite mostrar in situ los resultados de su proceso y recibir
retroalimentación de las personas que decide involucrar en ello. Una antesala a
la muestra individual y posteriormente una exposición itinerante que permite la
difusión de su obra.
En esta ocasión el artista Tulio Peraza inaugura en la muestra "Ars Lettera Ensamblajes" donde se hace evidente la influencia estética del movimiento Dada, la palabra como dibujo, como significante y significado, conjugándose con lo onírico. No sólo utiliza el formato de trabajo sino sale del objeto y toma el espacio físico.
Begonia Matamoros y Tulio Peraza son los creadores de espacio 2C pueden contactarlos en este vínculo espacio 2C
La orfebre Begonia Matamoros comenta que este espacio además contará con obras pequeño formato que estarán a disposición de amantes del arte y con especialidades gastronómicas para el disfrute del visitante.
Ubicado en la Av Alameda, El Rosal, Caracas, Venezuela
Teléfonos: 0426-3117101 Ramsés Larzábal expone su ‘Continente de papel’ en el Gabinete del Dibujo y de la Estampa
Colección, 2013 (Detalle); Intervención, papel, cartulina y acrílico
Para esta ocasión, cónsonos con las líneas de acción y perfil que respaldan el trabajo cultural y artístico del Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia, y con el objeto de investigar y ahondar en los procesos, materiales y conceptos relacionados a las artes visuales, es que el GDEV presenta con honor, la exposición Continente de papel de Ramsés Larzábal.
Contiene, desde el martes 4 de agosto de 1999….(Detalle);Libros varios
Ramsés Larzábal
Continente de papel
Inauguración 17 de marzo de 2013
De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm. El acceso a la muestra es completamente gratuito y está abierta a todo público.
Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com
Facebook: Fundacion Gabinete del Dibujo
Twitter: @gdev2006
Esso Álvarez exhibe sus ensamblajes hechos en honor a Mario Abreu
El artista, docente y fotógrafo presenta una
serie de 37 obras hechas en madera y metal. Las piezas son
autorreferenciales. En ellas rinde tributo al creador aragüeño y a otras
figuras del mundo del arte
9 de marzo 2013 - 12:01 am
Esso Álvarez es un coleccionista. Hace varios años que adquiere obras de arte y recoge objetos olvidados en jardines, en calles e incluso en autopistas. El artista y fotógrafo logró conciliar esas dos facetas de su personalidad en la muestra Postfacto, homenaje a Mario Abreu y a los otros.
La exposición tiene como eje el ensamblaje, una técnica que el fallecido artista aragüeño cultivó, además de la pintura. Álvarez halló coincidencias con Abreu en la manera de abordar los materiales, en el uso de las muñecas y, en algunos casos, en la paleta de colores usados en las obras. “En realidad esta exposición es un homenaje a varios artistas como Pablo Picasso, Modigliani, Javier Morera, Alberto Asprino, Joaquín Torres García, Armando Reverón, Oscar D’ Empaire, Claudio Perna y una larga lista de creadores que han trabajado con el objeto. La exhibición es una manera de explorar mi conexión con el arte”, dice el creador y docente.
Las piezas que muestra en el museo son desarrolladas mayormente en madera y metal. Álvarez parte de la horma de zapato, una constante que se repite en casi todas las obras. “Es un elemento que simboliza para mí la metáfora del caminante”, indica mientras supervisa el montaje de la exposición. Un aspecto que aparece constantemente en las obras exhibidas son las alusiones a la fotografía y el fotoperiodismo, el oficio al que Álvarez se dedicó en sus inicios. Es por ello que el docente de la Universidad de las Artes integra partes de cámaras, planchas e incluso los restos de una máquina de escribir a sus obras.
Álvarez asegura que los temas existencialistas y las relaciones de pareja son parte de su búsqueda. Es por ello que tiene una sala dedicada a la mujer y al amor, en la que se pueden apreciar obras como Obsesión, que muestra a una muñeca intervenida con los colores que dominaron la paleta de Abreu. “Si la ves de frente es un maniquí, pero si la ves desde abajo te darás cuenta de que alude a la obsesión que tiene la mujer por operarse el busto”, señala. Asegura que el tema de la feminidad le interesa por su universalidad, y por ser una de las constantes del arte tanto moderno y contemporáneo de Occidente y de las culturas orientales.
En el conjunto también se destaca Cabeza de Esso (a Pablo Ruiz), hecha con un asiento de bicicleta dispuesto de una manera que recuerda a un toro. El artista explica que está inspirada en Picasso. “Este año se cumplen 70 años de su creación Cráneo de cabra, que tiene que ver con África”, indica.
Fue precisamente esa pieza la que llamó la atención del director del museo, Nelson Sánchez-Chapellín, quien originalmente estaba interesado en exhibir una serie de pinturas creadas por Álvarez. “De inmediato nos atrapó la obra que yacía en el espacio cual tótem”, escribió en el folleto que acompaña a la exposición.
Otro aspecto interesante de la muestra son los títulos de las piezas, que son metafóricos, conceptuales e incluso poéticos. Por ejemplo, Santos terrenales (a Richard Avedon) alude al carácter cuasi sagrado de los personajes que el fotógrafo captó con su cámara. En esa misma línea va la obra Sincretismo, que presenta muñecos de plástico de distintos colores, dispuestos en forma de cruz. “Soy ateo, pero he tenido que leer la Biblia. Me marca la fe que la gente profesa sobre algo que no ha podido palpar”, indica.
Las obras de Álvarez son presentadas junto a varias piezas de la colección del museo y del propio artista, entre las cuales se destacan dos lienzos pintados por Abreu en París, en 1954.
Inauguración 10 de marzo
Hora: 11 am
Período de Exposición: del 10 de marzo al 10 de mayo de 2013
Lugar: Museo de Arte Afroamericano, San Bernardino, Caracas
Teléfono: 0212-5512849
Dirección: Avenida Occidente (Frente a la redoma Eloy Alfaro con Inicio de la Calle del IESA) San Bernardino, 1010 Caracas, Venezuela
Museo de Arte Afroamericano Sitio Oficial
Sobrevivencia y permanencia. Exposición homenaje a Augusto Lange
El Centro Cultural B.O.D.- Corp Banca inicia la programación de
exposiciones con la muestra del recordado escultor venezolano Augusto
Lange, quien luego de una larga carrera entre números y estadísticas
deja la economía para dedicarse al arte, llevándolo a crear collages y
esculturas que parten de postulados y principios del constructivismo.
Para Lange "la relación entre el hombre y su obra es casi siempre
inconsciente. Cuando concibo una obra no advierto lo que ella significa
ni puede significar. Tampoco puedo explicar por qué selecciono tal o
cual forma".
Lange era ceramista y especialista en el arte del fuego, reconocido
por añadir nuevos elemento a los objetos cerámicos: como la integración
de hierro y madera; técnica mixta, montajes de énfasis geométrico y
constructivo.
La exhibición Sobrevivencia y Permanencia, bajo la curaduría de John Lange, es un homenaje a su infinito trabajo artístico y sus más de 20 años de creación, conformada por más de 80 piezas, la muestra estará abierta desde el 17 de marzo, de martes a domingo de 11:00 a.m. a 5:00 p.m., en la sala de exposiciones del Centro Cultural B.O.D.-Corp Banca.
La exhibición Sobrevivencia y Permanencia, bajo la curaduría de John Lange, es un homenaje a su infinito trabajo artístico y sus más de 20 años de creación, conformada por más de 80 piezas, la muestra estará abierta desde el 17 de marzo, de martes a domingo de 11:00 a.m. a 5:00 p.m., en la sala de exposiciones del Centro Cultural B.O.D.-Corp Banca.
Sobrevivencia y permanencia de Augusto Lange
Víctor Guédez
“Desde el fondo con la sed de advenir
Luz adentro y afuera Este circulo
Algo que en sí mismo no servía para nada
EXISTES AHORA PORQUE EXISTES
Posible imagen girando, congregándose
En la fidelidad sostenida al fondo”
Alfredo Silva Estrada
(Poemario LOS QUINTETOS DEL CÍRCULO)
Luz adentro y afuera Este circulo
Algo que en sí mismo no servía para nada
EXISTES AHORA PORQUE EXISTES
Posible imagen girando, congregándose
En la fidelidad sostenida al fondo”
Alfredo Silva Estrada
(Poemario LOS QUINTETOS DEL CÍRCULO)
Augusto Lange tuvo una vocación artística anticipada y permanente,
pero su dedicación fue postrera. Esta contundente aseveración, aún
siendo cierta, admite necesarios matices. Aunque su focalización en la
escultura ocurrió luego de su jubilación profesional, ello no impidió
que durante su vida incorporara la permanente realización de
actividades asociadas a las artes del fuego. Esto le sirvió como una
especie de prelación y de maduración de su entrega posterior, al tiempo
que también le ofrecía las circunstancias para administrar el desahogo
de un compromiso vivencial. En esas disciplinas, incluso llegó a
conquistar los más elevados reconocimientos en los Salones Nacionales de
las Artes del Fuego, tales como fueron: el Premio Guayana (1987); el
Premio Polar (1990); el Premio Universidad de Carabobo (1991); y el
Premio Nacional de las Artes del Fuego (1992). Pero su exclusiva
concentración a la dimensión escultórica se produjo, aproximadamente, en
1985, momento en el cual se apartó de la vida laboral y profesional,
para asumir la plenitud de una denodada entrega a las escalas desafiante
de la tridimensionalidad. Podría decirse, sin eufemismos, que Augusto
Lange trabajó para poder dedicarse con tranquilidad a su obra artística.
Así como algunos viven del arte y otros viven para el arte, en su caso,
parece que él trabajó para llegar al arte y vivió para realizarse en
él.
La disciplina tridimensional, en efecto, fue su vocación y también le
sirvió de advocación. Por esta razón, el cultivo previo de la cerámica
nunca pudo disimular sus asociaciones con las propiedades y
características de las resoluciones escultóricas. Su inquietud era
siempre la de darle forma a los volúmenes o la de proporcionarle volumen
a las formas a fin de conquistar e incorporar el impacto sobre un
espacio. Forma, volumen y espacio pautaron sus primeras realizaciones en
las artes del fuego y, luego, definieron sus sucesivas búsquedas. La
forma es la parte mensurable y rotunda de una obra; el volumen
representa la integración de los efectos fingidos que impactan la
dimensión de una percepción; finalmente, el espacio es el vacío
capturado y activado por la presencia de la forma volumétrica. Pues
bien, estas pautas de referencia siempre inspiraron al artista. Tales
inquietudes, primero se resolvieron mediante el proceso de moldear la
materia flexible del barro y el gres, para después solventarse por la
vía de la construcción del recurso propiamente escultórico.
Connotaciones simbólicas
Su desarrollo creativo, desde las referencias establecidas, lo asumió mediante el despliegue de series, más que de etapas cronológicas precisas. En este contexto, entendemos por series a las realizaciones que se concretaron a partir de ejes estéticos de indagación, los cuales no estaban asociados a tiempos sino que atendieron prospectivas de progresivo y consecuente desarrollo. No hay duda que el más notable de estos ejes corresponde al círculo. Éste actuó como origen, naturaleza y propósito de su preocupación artística. El círculo servía de origen porque la prefiguración de sus resoluciones atendía a un predominio de lo diametral y de lo radial, en tanto que las formas de anillo, de disco, de aureola o de rueda se constituían en pauta insoslayable. Pero también proporcionaba la naturaleza porque, en esencia, el círculo reportaba el recurso estético y plástico de sus resoluciones. Por último, el círculo le aportaba el propósito en tanto que ofrecía el dato visual que se afirmaba a sí mismo, al tiempo que también sugería proyecciones simbólicas que lo trascendían. En este contexto, es difícil dejar de evocar afirmaciones como: “Toda existencia parece en sí redonda” (Karl Jaspers). “La vida es proporcionalmente redonda” (Vicent Van Gogh). “Un círculo es un correr y un recorrer sobre sí mismo” (Michel Seuphor). “Mi sombra es amplia y tiene círculos” (Elizabeth Shön). “…El Ente del todo semejante a la esfera bellamente circular hacia todo lugar…” (Parménides). “Luz ajena gira, cual pulido círculo al derredor de la tierra”. (Empédocles). Ciertamente, lo redondo sugiere la perfección geométrica y lo ovoidal remite al propio origen de la vitalidad. La circunferencia es señal solar, representa unidad de sentido, sugiere armonía universal, referencia un núcleo energético, y finalmente, indica que el fin y el comienzo se confunden en cualquier punto de su contorno. Presumimos que esta carga simbólica fue asumida por el artista, consciente o inconscientemente. Por eso asumió este recurso geométrico como un componente indispensable de su eficiencia plástica, de su lenguaje estético, de su estilo resolutivo y de su significación simbólica.
Su desarrollo creativo, desde las referencias establecidas, lo asumió mediante el despliegue de series, más que de etapas cronológicas precisas. En este contexto, entendemos por series a las realizaciones que se concretaron a partir de ejes estéticos de indagación, los cuales no estaban asociados a tiempos sino que atendieron prospectivas de progresivo y consecuente desarrollo. No hay duda que el más notable de estos ejes corresponde al círculo. Éste actuó como origen, naturaleza y propósito de su preocupación artística. El círculo servía de origen porque la prefiguración de sus resoluciones atendía a un predominio de lo diametral y de lo radial, en tanto que las formas de anillo, de disco, de aureola o de rueda se constituían en pauta insoslayable. Pero también proporcionaba la naturaleza porque, en esencia, el círculo reportaba el recurso estético y plástico de sus resoluciones. Por último, el círculo le aportaba el propósito en tanto que ofrecía el dato visual que se afirmaba a sí mismo, al tiempo que también sugería proyecciones simbólicas que lo trascendían. En este contexto, es difícil dejar de evocar afirmaciones como: “Toda existencia parece en sí redonda” (Karl Jaspers). “La vida es proporcionalmente redonda” (Vicent Van Gogh). “Un círculo es un correr y un recorrer sobre sí mismo” (Michel Seuphor). “Mi sombra es amplia y tiene círculos” (Elizabeth Shön). “…El Ente del todo semejante a la esfera bellamente circular hacia todo lugar…” (Parménides). “Luz ajena gira, cual pulido círculo al derredor de la tierra”. (Empédocles). Ciertamente, lo redondo sugiere la perfección geométrica y lo ovoidal remite al propio origen de la vitalidad. La circunferencia es señal solar, representa unidad de sentido, sugiere armonía universal, referencia un núcleo energético, y finalmente, indica que el fin y el comienzo se confunden en cualquier punto de su contorno. Presumimos que esta carga simbólica fue asumida por el artista, consciente o inconscientemente. Por eso asumió este recurso geométrico como un componente indispensable de su eficiencia plástica, de su lenguaje estético, de su estilo resolutivo y de su significación simbólica.
En medio de esa conjugación de factores aflora uno de sus aportes más
importantes: él supo promover la armonía entre la forma circular y su
correspondiente connotación abierta. También, dentro de este juego de
relaciones aparece la idea de que tomar lo circular es asumir la noción
de foco y de centro. Y esto conlleva, igualmente, a una significación
metafórica: la falta de centro promueve desequilibrios y la ausencia de
límites incentiva la desmesura. Centro y límite son, justamente, dos
categorías referenciales en la serie circular de Augusto Lange. Cabe, en
este contexto, recordar la sentencia de Kant: “En pintura, escultura y
en todas las artes, la delimitación es lo esencial”.
Recursos plásticos
El peso del centro y del límite, en el caso del artista, queda demostrado porque su “serie circular” se solventa a partir de vacíos circunscritos en donde interactúan los bordes circulares y los espacios internos activados. Tales factores se incrementan por las definiciones frontales dentro de las cuales se presentan sus obras. En algunos casos, ellas promueven simetrías rigurosas, y en otros, afloran asimetrías atenuadas por la tensión de equilibrios dinámicos. Pero igualmente entran en acción otros factores de particulares impactos, como son los intersticios, los planos, las tuercas, los tornillos, las arandelas, lo anverso y lo reverso. Las conjugaciones derivadas de esta pluralidad de elementos incentivan una extraña tensión dentro de una fortalecida quietud. Pero este registro resultaría incompleto si no destacamos que, en estas obras, el vacío, o espacio interior, resulta tan afectado como el límite o borde circular que lo alberga. Aquí no hay relaciones de prioridad o jerarquía, así como tampoco se producen diferencias entre lo sustantivo y lo adjetivo: todo se puede distinguir sin ser separado, e igualmente, todo se puede unir sin ser confundido. El artista consigue, sin duda, una síntesis suprema y una mayúscula integración porque la totalidad alcanza una multitensión de factores que motivan equilibrios rítmicos dentro de unos compendios colmados de sinergia y armonía, de esencia e infinitud. Es así como el verso del poeta Alfredo Silva Estrada, encaja con precisión extraordinaria:
El peso del centro y del límite, en el caso del artista, queda demostrado porque su “serie circular” se solventa a partir de vacíos circunscritos en donde interactúan los bordes circulares y los espacios internos activados. Tales factores se incrementan por las definiciones frontales dentro de las cuales se presentan sus obras. En algunos casos, ellas promueven simetrías rigurosas, y en otros, afloran asimetrías atenuadas por la tensión de equilibrios dinámicos. Pero igualmente entran en acción otros factores de particulares impactos, como son los intersticios, los planos, las tuercas, los tornillos, las arandelas, lo anverso y lo reverso. Las conjugaciones derivadas de esta pluralidad de elementos incentivan una extraña tensión dentro de una fortalecida quietud. Pero este registro resultaría incompleto si no destacamos que, en estas obras, el vacío, o espacio interior, resulta tan afectado como el límite o borde circular que lo alberga. Aquí no hay relaciones de prioridad o jerarquía, así como tampoco se producen diferencias entre lo sustantivo y lo adjetivo: todo se puede distinguir sin ser separado, e igualmente, todo se puede unir sin ser confundido. El artista consigue, sin duda, una síntesis suprema y una mayúscula integración porque la totalidad alcanza una multitensión de factores que motivan equilibrios rítmicos dentro de unos compendios colmados de sinergia y armonía, de esencia e infinitud. Es así como el verso del poeta Alfredo Silva Estrada, encaja con precisión extraordinaria:
“EL ABISMO
VUELTO CÍRCULO INSOSLAYABLE
EL OCULTAMIENTO DE LAS FORMAS COTIDIANAS
Así confluyen
Entre los vagos límites de la visión
El punto móvil
Y la sorpresa del eje
Cuando contienen planos
Nuevamente
En el círculo
EL SER INFINITO DEL SER”
Convivencia entre círculo y cuadrado
Es indudable que la “serie circular”, ocupó la mayor dedicación de
Augusto Lange. Sin embargo, ella no agotó su completo aporte estético.
Encontramos también la “serie cuadrilateral”, en la cual, los enunciados
ya precisados también encuentran aquí sus ámbitos de concreción. Debe
destacarse, no obstante, que en buena parte de las realizaciones de esta
serie afloran retablos que se afirman con una cierta connotación
solemne. También, en estas ejecuciones, la orientación constructiva
encuentra posibilidades de despliegue en un doble alcance: lo
geométrico-sensible de inspiración compositiva, por una parte, y lo
geométrico- dinámico de ortogonalidad rigurosa, por otra. En medio de
estos polos, el artista solventa realizaciones diversas que van desde
algunas formas cerradas hasta especialidades volumétricas, pasando
también por matrices espaciales que fomentan abiertas motivaciones
perceptivas.
Curioso es destacar que lo rectilíneo, en el caso de Lange, promueve
una particular sobriedad de las formas. En estas piezas no se acoge
ningún interés de arrogancia, sino que cada ejecución se aborda como
instancia exploratoria que intenta demostrar la convivencia entre lo
cuadrado y lo circular. De hecho, muchas obras combinan estas dos
formas, alternando sus respectivas presencias de datos interiores y de
límites de borde. Pero, en cualquier caso, en esta serie, lo hierático y
lo erguido de las composiciones sugieren la afirmación de esculturas
tan pletóricas como simbólicas. Sobre estas peculiaridades, Carlos Silva
afirmó: “Lo primero en hacerse notar es su buscada verticalidad que
podemos poner en analogía con el tótem, es figura con la cual se ponen
en contacto la energía de una comunidad con las fuerzas cósmicas, en una
especie de flujo espiritual solidario entre la sociedad y la
naturaleza”. (Catálogo de la exposición “Estructuras”, Galería Durban.
1977. p. 6). La alusión al significado simbólico que se percibe en esta
afirmación, nos invita a complementar el abordaje que avanzábamos antes.
Ciertamente, son varios los estatutos que intervienen en sus obras.
Pensamos que en ellas se combina una fuerte dosis reflexiva y un
sedimentado ingrediente sensible que proceden de una inspiración
idealizada de lo circular y de lo ortogonal, así como de las formas
geométricas básicas. Pero también hay una suficiente carga intuitiva que
hace palpitar de vitalidad a su alfabeto abstracto-geométrico. La
integración de esos recursos le permitió al artista concretar piezas
que se afianzan con carácter morfológico y que promueven efectos
simbólicos. Apreciamos que sus esculturas asumen un incuestionable y
fascinante poder. Ellas reflejan el orden de un espíritu y promueven una
resonancia en donde la afirmación material y la evocación trascendente
se entremezclan en una misma referencia.
Sobre estas obras ortogonales, también se pronunció Juan Carlos
Palenzuela, al puntualizar: “Es entonces cuando el artista ha debido
comenzar a plantearse la escultura como una arquitectura utópica, de
racionalistas diseños y elevadas paredes, concavidades ciegas y
pasadizos, ritmos verticales y horizontales”. (Catálogo de la exposición
NEXUS. 1995. p.4). La expresión “arquitectura utópica” nos lleva a
pensar en la presencia de una razón soñadora, y cuando la razón se
acompaña de sueño, aflora la incorporación emblemática de un esfuerzo. A
partir de esta interpretación, coincidimos en que la obra de Augusto
Lange encarna la profunda revelación de una carga que no puede
comprenderse de manera definitiva. Es indudable que sus obras validan la
tesis de Walter Benjamín: “Nunca se habrá comprendido una obra de arte,
si no es expuesta inexorablemente como un misterio”.
Relieves, Tablas y Discos
En el orden de las series comentadas, cabe ahora reseñar los relieves, las tablas y los discos. Comencemos por decir que los relieves fueron asumidos durante el período más avanzado del artista. Ellos consisten en soportes de madera que ofrecen el espacio para la colocación de líneas, barras o láminas modulares que se distribuyen en la superficie con una precisa regularidad. Estos datos visuales se repiten para generar un campo de acontecimiento dinámico. Para apoyar las resonancias perceptivas, el artista recurre a la utilización de colores que incentivan las interacciones entre los elementos en relieve y las profundidades intersticiales. También las distribuciones rigurosas, las precisiones espaciales y las brechas consecutivas generan sensaciones de ritmos y musicalidades que enfatizan el protagonismo de sus presencias. Las sorpresas de los efectos y las fortuitas improntas visuales, seguramente no estaban ausentes de los propósitos del artista, y prueba de ello se encuentra en estos acentuados efectos.
En el orden de las series comentadas, cabe ahora reseñar los relieves, las tablas y los discos. Comencemos por decir que los relieves fueron asumidos durante el período más avanzado del artista. Ellos consisten en soportes de madera que ofrecen el espacio para la colocación de líneas, barras o láminas modulares que se distribuyen en la superficie con una precisa regularidad. Estos datos visuales se repiten para generar un campo de acontecimiento dinámico. Para apoyar las resonancias perceptivas, el artista recurre a la utilización de colores que incentivan las interacciones entre los elementos en relieve y las profundidades intersticiales. También las distribuciones rigurosas, las precisiones espaciales y las brechas consecutivas generan sensaciones de ritmos y musicalidades que enfatizan el protagonismo de sus presencias. Las sorpresas de los efectos y las fortuitas improntas visuales, seguramente no estaban ausentes de los propósitos del artista, y prueba de ello se encuentra en estos acentuados efectos.
La seriación analítica y la resolución planimétrica de estos relieves
adquieren un alcance más sensible en las tablas o maderas. Estas
realizaciones, hacen alusión al constructivismo sensible y fluyen a
partir de ensamblajes más espontáneos. En estos casos, la connotación
integrativa y la resolución libre revelan otra área de exploración del
artista. Aquí, la perfección del orden y la severidad de los módulos
desagregados adquieren un predominio menos sustantivo y le dejan un
mayor espacio de beligerancia a la impronta y a la legitimación azarosa
de los elementos compositivos.
A lo anterior se añade, luego, la investigación que realizó el
artista sobre el disco. Este elemento, como recurso plano y circular, le
permitió esbozar las opciones de su alteración planimétrica. Su acción
consistió en intervenir, por etapas, estos soportes a fin de obtener
dobleces y ángulos que conquistaran múltiples y desafiantes perfiles
espaciales. En efecto, la generación de dobleces, en diferentes
posibilidades plásticas, le permitía al artista, definir ángulos y
distorsiones a favor de efectos estéticos polivalentes. La integridad
inicial del disco no se perdía, pero si cambiaba su presentación formal,
ya que la planimetría circular era intersectada y, en algunos casos,
fracturada para sugerir exigentes y desafiantes recomposiciones.
Igualmente, en estos casos, se incorporaban sensaciones de equilibrios
precarios y de balances agudos que contribuían con los desenlaces del
acontecimiento estético.
Visión retrospectiva
Vistas en retrospectiva sus diferentes series escultóricas, y a partir de las pautas de aproximación que hemos intentado, podríamos aseverar que estamos en presencia de un artista que cultivó un purificado lenguaje abstracto-geométrico, en donde lo esencial, lo esquemático, lo integrador y lo simbólico se conjugan en fecundos compendios compositivos. Augusto Lange sirvió con fidelidad a estos patrones durante toda su vida. Y no deja de ser interesante que los alfabetos de este tipo ahora se reivindican con el aliento de una nueva actualidad. En este marco, su fidelidad obtiene, entonces, el reconocimiento de una reivindicación de sus sinceras búsquedas. Es posible reconocer que en sus indagaciones se advierten distintas influencias. Son notorias las referencias de Chillida, Torres García, Soto, Otero, Cruz-Diez, Valera, Ramirez Villamizar, Negret y Lipchitz, entre otros. Él nunca disimuló esas inspiraciones, por el contrario, su honesto quehacer demostró el convencimiento de que todo artista debe comenzar con muchos otros para finalizar siendo él mismo. Eso fue lo que hizo: recibir, procesar, asimilar, conjugar, integrar, diluir y afirmar. Al final, su autenticidad creadora acepta con gallardía el aforismo de Harold Bloom: Tanto daño hace el apego a las influencias como la angustia de tenerlas. Entre una y otra opción, Augusto Lange supo reivindicar el espacio de su sobrevivencia y hoy se refuerza el alimento de su permanencia.
Vistas en retrospectiva sus diferentes series escultóricas, y a partir de las pautas de aproximación que hemos intentado, podríamos aseverar que estamos en presencia de un artista que cultivó un purificado lenguaje abstracto-geométrico, en donde lo esencial, lo esquemático, lo integrador y lo simbólico se conjugan en fecundos compendios compositivos. Augusto Lange sirvió con fidelidad a estos patrones durante toda su vida. Y no deja de ser interesante que los alfabetos de este tipo ahora se reivindican con el aliento de una nueva actualidad. En este marco, su fidelidad obtiene, entonces, el reconocimiento de una reivindicación de sus sinceras búsquedas. Es posible reconocer que en sus indagaciones se advierten distintas influencias. Son notorias las referencias de Chillida, Torres García, Soto, Otero, Cruz-Diez, Valera, Ramirez Villamizar, Negret y Lipchitz, entre otros. Él nunca disimuló esas inspiraciones, por el contrario, su honesto quehacer demostró el convencimiento de que todo artista debe comenzar con muchos otros para finalizar siendo él mismo. Eso fue lo que hizo: recibir, procesar, asimilar, conjugar, integrar, diluir y afirmar. Al final, su autenticidad creadora acepta con gallardía el aforismo de Harold Bloom: Tanto daño hace el apego a las influencias como la angustia de tenerlas. Entre una y otra opción, Augusto Lange supo reivindicar el espacio de su sobrevivencia y hoy se refuerza el alimento de su permanencia.
Repos sous la limte. Dibujos y Esculturas de Daniela Quilici
En el Ateneo de Caracas
El Ateneo de Caracas presenta la nueva exposición individual de Daniela Quilici,
integrada por dibujos y esculturas que dejan ver el personal estilo de
una joven artista que viene abriéndose camino con paso seguro en los
lenguajes de las artes plásticas contemporáneas.
Hija de dos artistas venezolanos residenciados en Francia, Daniela Quilici nació en París, donde vivió hasta los cinco años, cuando vino a nuestro país. Diez años más tarde regresa a la capital francesa y cursa estudios en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, completando su formación posteriormente con estadías en España y el Reino Unido.
En 2002 inicia su actividad expositiva con diversas muestras colectivas en Francia, Inglaterra, y Argentina y Venezuela. De manera individual ha expuesto Etres du ciel (Seres del cielo), en el Marché Saint Honoré de París en 2003; Dibujos, en L Mono de Bilbao (2008) y Fusionales, en el hotel Paseo Las Mercedes de Caracas (2011).
Repos sous la limite (Reposo bajo el límite), fue presentada por primera hace dos años en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo por la Fundación Semillero de la capital marabina, donde Daniela realizó residencia artística de un mes, luego de su decisión de regresar a Venezuela.
“Su obra –escribió entonces la artista Rosana Fernández, coordinadora de esa fundación-, más que para ser entendida, intelectualizada, pensada, es para ser sentida, para dejarse llevar por las profundidades del ser de donde emanan y de quien la experimenta como público”.
-Yo estaba dejando mi casa en París –recuerda Daniela- para venir seis meses a Venezuela, y ese trabajo era un poco como hablar de todo eso, del retorno, la familia, la madre… era como reunirme conmigo misma a pesar de toda la inestabilidad.”
Tal vez de ese contacto marabino nace la pieza central de la muestra, la hamaca, un elemento que ya Daniela había trabajado hacia años en París, y que ahora afloró nuevamente, en principio apuntando más hacia la verticalidad, como los capullos de mariposa, pero luego ubicándose como punto central para indagar el vacío. “El espacio vacío es muy importante en mi trabajo. Con la hamaca quise llenar ese espacio vacío con los hilos rojos que cuelgan, y que alguien vio como sangre”.
El título de la muestra, alude al sentido mismo de la concepción de estos trabajos que parecen indagar en la profundidad de lo evidente una nueva expresión, manifiesta en la aparente simplicidad de la línea y sus contrastes con la mancha, el color, la retícula.
-Repos sous la limite –afirma la artista- proviene de la definición etimológica de sublimis, sub quiere decir bajo, y limis, umbral o límite. Habla entonces de algo que está “bajo el límite” como las cuestiones relacionadas con lo más profundo, lo interno, lo inconsciente. Es como ir bajo el agua viendo cosas que no existen y buscar en ellas la perfección, algo que es desconocido, casi como un submarino que busca una dirección y va viendo las maravillas a su alrededor.
Rosana Fernández ve en este trabajo “un potencial importante que aporta sensibilidad, fuerza y apertura al discurso algunas veces cerrado que se tiene del concepto de las artes contemporáneas en Venezuela. Por esto, considero que el trabajo de Daniela Quilici es esencial y forma parte de las obras que en la actualidad abrirán camino a las experiencias “más allá del cuerpo” y a los discursos aún ocultos sobre el arte actual”.
La invitación para disfrutar de esta muestra es el domingo 24 de febrero, a partir de las 11 am, en los espacios expositivos del Ateneo de Caracas, prolongación avenida La Salle, quinta La Colina, subida a Venevisión, Colinas de Los Caobos.
Hay estacionamiento, café terraza y vigilancia.
Daniela Quilici
Repos sous la limite
A partir del 24 de febrero de 2013
Ateneo de Caracas
Av. La Salle. Colinas de Los Caobos
Qta. La Colina. Primera casa a mano derecha, subiendo hacia Venevisión
Tel. 0212 781.7624, 793.7015
www.facebook.com/ateneodecaracas
@ateneodecaracas
Prensa Ateneo de Caracas
El Ateneo de Caracas presenta la nueva exposición individual de Daniela Quilici,
integrada por dibujos y esculturas que dejan ver el personal estilo de
una joven artista que viene abriéndose camino con paso seguro en los
lenguajes de las artes plásticas contemporáneas.Hija de dos artistas venezolanos residenciados en Francia, Daniela Quilici nació en París, donde vivió hasta los cinco años, cuando vino a nuestro país. Diez años más tarde regresa a la capital francesa y cursa estudios en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, completando su formación posteriormente con estadías en España y el Reino Unido.
En 2002 inicia su actividad expositiva con diversas muestras colectivas en Francia, Inglaterra, y Argentina y Venezuela. De manera individual ha expuesto Etres du ciel (Seres del cielo), en el Marché Saint Honoré de París en 2003; Dibujos, en L Mono de Bilbao (2008) y Fusionales, en el hotel Paseo Las Mercedes de Caracas (2011).
Repos sous la limite (Reposo bajo el límite), fue presentada por primera hace dos años en el Centro de Bellas Artes de Maracaibo por la Fundación Semillero de la capital marabina, donde Daniela realizó residencia artística de un mes, luego de su decisión de regresar a Venezuela.
“Su obra –escribió entonces la artista Rosana Fernández, coordinadora de esa fundación-, más que para ser entendida, intelectualizada, pensada, es para ser sentida, para dejarse llevar por las profundidades del ser de donde emanan y de quien la experimenta como público”.
-Yo estaba dejando mi casa en París –recuerda Daniela- para venir seis meses a Venezuela, y ese trabajo era un poco como hablar de todo eso, del retorno, la familia, la madre… era como reunirme conmigo misma a pesar de toda la inestabilidad.”
Tal vez de ese contacto marabino nace la pieza central de la muestra, la hamaca, un elemento que ya Daniela había trabajado hacia años en París, y que ahora afloró nuevamente, en principio apuntando más hacia la verticalidad, como los capullos de mariposa, pero luego ubicándose como punto central para indagar el vacío. “El espacio vacío es muy importante en mi trabajo. Con la hamaca quise llenar ese espacio vacío con los hilos rojos que cuelgan, y que alguien vio como sangre”.
El título de la muestra, alude al sentido mismo de la concepción de estos trabajos que parecen indagar en la profundidad de lo evidente una nueva expresión, manifiesta en la aparente simplicidad de la línea y sus contrastes con la mancha, el color, la retícula.
-Repos sous la limite –afirma la artista- proviene de la definición etimológica de sublimis, sub quiere decir bajo, y limis, umbral o límite. Habla entonces de algo que está “bajo el límite” como las cuestiones relacionadas con lo más profundo, lo interno, lo inconsciente. Es como ir bajo el agua viendo cosas que no existen y buscar en ellas la perfección, algo que es desconocido, casi como un submarino que busca una dirección y va viendo las maravillas a su alrededor.
Rosana Fernández ve en este trabajo “un potencial importante que aporta sensibilidad, fuerza y apertura al discurso algunas veces cerrado que se tiene del concepto de las artes contemporáneas en Venezuela. Por esto, considero que el trabajo de Daniela Quilici es esencial y forma parte de las obras que en la actualidad abrirán camino a las experiencias “más allá del cuerpo” y a los discursos aún ocultos sobre el arte actual”.
La invitación para disfrutar de esta muestra es el domingo 24 de febrero, a partir de las 11 am, en los espacios expositivos del Ateneo de Caracas, prolongación avenida La Salle, quinta La Colina, subida a Venevisión, Colinas de Los Caobos.
Hay estacionamiento, café terraza y vigilancia.
Daniela Quilici
Repos sous la limite
A partir del 24 de febrero de 2013
Ateneo de Caracas
Av. La Salle. Colinas de Los Caobos
Qta. La Colina. Primera casa a mano derecha, subiendo hacia Venevisión
Tel. 0212 781.7624, 793.7015
www.facebook.com/ateneodecaracas
@ateneodecaracas
Prensa Ateneo de Caracas
Pancho Quilici crea un Mundo en la Galería D’Museo
Mundo Uno es el título de la nueva
exposición del artista venezolano Pancho Quilici, que será inaugurada el
domingo 03 de marzo a las 11:00 de la mañana en la Galería D’Museo, en el Centro de Arte Los Galpones, donde podrá ser visitada hasta el 07 de abril.
En esta exhibición Pancho Qulici regresa luego de 20 años a los espacios de una galería venezolana con una propuesta centrada en esa búsqueda de la unicidad que ha sido una constante en su trabajo, mediante una gran instalación en la que a través del dibujo, la pintura y la escultura, crea un universo con el mismo registro en la circularidad -todo alrededor del tema-, que siempre ha trabajado este artista de una manera obsesiva, según sus propias palabras.
Dos trípticos en gran dimensión, una serie de
dibujos y un ensamblaje escultórico en madera, nylon y acetatos,
conforman esta instalación para la cual el propio Quilici asegura haber
manejado ciertas nociones de física y astrofísica que lo apasionan, pero
que no quiere sean explícitas.
“Es un deambular de un paseo que deriva un poco en lugares muy remotos, pero que siempre por fuerzas de atracción y gravedad, tienden a volver a ese uno que podemos asociar al yo, al ser, lo esencial, el inicio, el comienzo, uno. Desde el momento que saqué al ser humano de mis composiciones, empezó a salir la configuración que yo siempre interpreté como una especie de cosmogonía del ser interior, el mundo interior de las elucubraciones que orbitan alrededor de uno y que permiten la totalidad del ser”, explica el artista.
Por su parte el artista Julio Pacheco Rivas, conocedor de la obra de Quilici, destaca en el texto de presentación de la exposición, la interactividad entre el centro y la periferia en el plano de la representación
como una constante en el trabajo de este creador, que se muestra
“mediante una serie de ‘satélites’ circundantes, vinculados
conceptualmente al tema central; o también, en un sentido más amplio, la
desde entonces construcción factible del sueño; sus fases,
posibilidades; su modo de empleo”.
Según explica Pacheco Rivas, las imágenes de Quilici siempre han estado sobre coordenadas precisas que permiten ubicar los elementos y establecer magnitudes, a través de una suerte de malla o red sustentadora espacial, que con el tiempo terminó envolviendo el conjunto y adquirió principal protagonismo en la obra.
En Mundo Uno la malla o red, “construye una espiral infinita que nos plantea una espacialidad envolvente, en permanente movimiento y regeneración, como ubicada en el cosmos, aunque la tierra, su materia, su relieve, su denso tiempo coexista en ese plano sideral como prolongando, extendiendo el sentido del recurrente tema de la ubicuidad dentro-fuera. Quilici lo refuerza o replantea aquí mediante el uso frecuente del toro, esa forma geométrica generada por un círculo que rota alrededor de otro círculo, cuya polaridad indefinida, producto del constante curvarse sobre si misma hacia dentro y hacia afuera en torno a un centro hueco, favorece y -si se quiere- comprueba tal posibilidad”, afirma.
Con las arquitecturas reales o imaginarias como tema central de su trabajo, Pancho Quilici se ha destacado en el ámbito de las artes plásticas, tanto en Venezuela como en otros países, por una amplia trayectoria de más de tres décadas durante las cuales ha desarrollado una importante obra apoyada en la perspectiva geométrica y en la aérea, inventando paisajes y arquitecturas ilusionistas y al mismo tiempo fantásticas, que le han hecho merecedor de importantes reconocimientos internacionales, como el Gran Premio Príncipe Rainiero, Mónaco (1984), y Premio de Pintura Festival International de la Peinture, Cagnes-sur-Mer (1994).
Nacido en Caracas en 1954 y residenciado actualmente en París, este artista ha exhibido su obra en diferentes museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, Francia, Japón, Italia, Colombia, Inglaterra, España, Bélgica, Hungría, entre otros países, además se encuentra representado en las colecciones de instituciones como la Galería de Arte Nacional, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, y el Museo de Bellas Artes, en Caracas.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la más reciente propuesta artística de Pancho Quilici en la muestra Mundo Uno, que se estará presentando del 03 de marzo al 07 de abril, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.
Pancho Quilici
Mundo Uno
Del 03 de marzo al 07 de abril de 2013
Galería D'Museo
Centro de Arte Los Galpones
Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros
El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre. www.dmuseo.com
Prensa Marisela Montes Comunicaciones
En esta exhibición Pancho Qulici regresa luego de 20 años a los espacios de una galería venezolana con una propuesta centrada en esa búsqueda de la unicidad que ha sido una constante en su trabajo, mediante una gran instalación en la que a través del dibujo, la pintura y la escultura, crea un universo con el mismo registro en la circularidad -todo alrededor del tema-, que siempre ha trabajado este artista de una manera obsesiva, según sus propias palabras.
“Es un deambular de un paseo que deriva un poco en lugares muy remotos, pero que siempre por fuerzas de atracción y gravedad, tienden a volver a ese uno que podemos asociar al yo, al ser, lo esencial, el inicio, el comienzo, uno. Desde el momento que saqué al ser humano de mis composiciones, empezó a salir la configuración que yo siempre interpreté como una especie de cosmogonía del ser interior, el mundo interior de las elucubraciones que orbitan alrededor de uno y que permiten la totalidad del ser”, explica el artista.
Según explica Pacheco Rivas, las imágenes de Quilici siempre han estado sobre coordenadas precisas que permiten ubicar los elementos y establecer magnitudes, a través de una suerte de malla o red sustentadora espacial, que con el tiempo terminó envolviendo el conjunto y adquirió principal protagonismo en la obra.
En Mundo Uno la malla o red, “construye una espiral infinita que nos plantea una espacialidad envolvente, en permanente movimiento y regeneración, como ubicada en el cosmos, aunque la tierra, su materia, su relieve, su denso tiempo coexista en ese plano sideral como prolongando, extendiendo el sentido del recurrente tema de la ubicuidad dentro-fuera. Quilici lo refuerza o replantea aquí mediante el uso frecuente del toro, esa forma geométrica generada por un círculo que rota alrededor de otro círculo, cuya polaridad indefinida, producto del constante curvarse sobre si misma hacia dentro y hacia afuera en torno a un centro hueco, favorece y -si se quiere- comprueba tal posibilidad”, afirma.
Con las arquitecturas reales o imaginarias como tema central de su trabajo, Pancho Quilici se ha destacado en el ámbito de las artes plásticas, tanto en Venezuela como en otros países, por una amplia trayectoria de más de tres décadas durante las cuales ha desarrollado una importante obra apoyada en la perspectiva geométrica y en la aérea, inventando paisajes y arquitecturas ilusionistas y al mismo tiempo fantásticas, que le han hecho merecedor de importantes reconocimientos internacionales, como el Gran Premio Príncipe Rainiero, Mónaco (1984), y Premio de Pintura Festival International de la Peinture, Cagnes-sur-Mer (1994).
Nacido en Caracas en 1954 y residenciado actualmente en París, este artista ha exhibido su obra en diferentes museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, Francia, Japón, Italia, Colombia, Inglaterra, España, Bélgica, Hungría, entre otros países, además se encuentra representado en las colecciones de instituciones como la Galería de Arte Nacional, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, y el Museo de Bellas Artes, en Caracas.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la más reciente propuesta artística de Pancho Quilici en la muestra Mundo Uno, que se estará presentando del 03 de marzo al 07 de abril, en la Galería D’Museo, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, en la Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 6:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.
Pancho Quilici
Mundo Uno
Del 03 de marzo al 07 de abril de 2013
Galería D'Museo
Centro de Arte Los Galpones
Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros
El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre. www.dmuseo.com
Prensa Marisela Montes Comunicaciones
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