Eventos 2013: Fotografía Ilustración y Gráfica

Arquitectura de Frente. Antonio Castañeda ofrecerá exposición, charla y taller de en RMTF

Fotografía y patrimonio es el tema a abordar por el colombiano Antonio Castañeda en las diferentes actividades que realizará durante su visita a Venezuela en el mes de julio

En los diferentes trabajos que Antonio Castañeda ha dedicado al patrimonio arquitectónico, su propuesta se ha enfocado en buscar y llegar a la historia no académica de cada lugar, a esa faceta que va más allá de lo que muestran los libros de historia. La necesidad de explorar y retener dicho legado en imágenes lo ha motivado a desarrollar investigaciones que han resultado en importantes proyectos editoriales, como Cartagena de frente, ganador del premio Andigraf Lo mejor del año 2007 – 2008 en la categoría libros de arte. Durante su visita a Venezuela, el fotógrafo y restaurador colombiano realizará diversas actividades relacionadas a su quehacer, como la presentación de la muestra Arquitectura de frente. Esta es una serie de fotografías de la arquitectura de Cartagena, Bogotá, Santa Marta y Santa Cruz de Mompóx realizadas por Castañeda y que, a su vez, son parte de cinco libros de la colección La Historia de frente, publicada por Letrarte Editores.

“El conjunto de imágenes y textos pretende ampliar la noción de patrimonio que en la mayoría de los casos está circunscrita al mero inventario físico de los bienes inmuebles”, dice el fotógrafo. De alguna manera, es la generación de un conjunto integral físico e interpretativo, como concepto patrimonial histórico, en un lenguaje para todo público. La inauguración es el miércoles 10 de julio a las 8:00 de la noche en los espacios de RMTF.
El jueves 11 de julio a las 8:00 de la noche, el fotógrafo ofrecerá la charla La historia de frente. Esta es una aproximación al origen y al concepto de la propuesta de contar la historia de una ciudad a través de su arquitectura, como testimonio tangible que revela sus características sociales, culturales, políticas, económicas y religiosas. La arquitectura funge como forma de expresión con un agregado de apreciación que permite percibir, en profundidad y en detalle, su lenguaje en las diferentes épocas representadas en los trabajos que se mostrarán.
Del 12 al 14 de julio, Castañeda dictará el taller intensivo Fotografía y patrimonio, en la sede de RMTF. Luego de revisar y ahondar en la definición de los conceptos de patrimonio, su catalogación y las posibilidades de difusión del mismo, se contempla el desarrollo de la metodología para realizar un proyecto patrimonial urbano específico. La etapa práctica del taller se realizará en los cascos históricos de Petare y La Guaira.
Esta propuesta académica está dirigida a arquitectos, historiadores, fotógrafos y humanistas. Por la sencillez del lenguaje, está abierto al público no especializado, con intereses o inquietudes por los procesos históricos. Para solicitar más información o formalizar inscripciones, se puede llamar a la sede de la escuela: (212)257.97.45.
Antonio Castañeda es egresado de la facultad de Arquitectura de la Universidad de Los Andes (Bogotá). Se especializó en fotografía, conservación y restauración de material fotográfico y diseño y organización de archivos históricos en Rochester Institute of Technology (EEUU) y Service National des Archives du Film (Francia). Ha trabajado en diferentes instituciones y fundaciones colombianas ligadas a la cultura, como directivo, asesor, tallerista o emprendedor de proyectos especiales; también ha sido profesor de las universidades de la Sabana, los Andes y Católica. Su obra ha sido publicada en diversos medios impresos –libros y revistas- y se ha presentado en salas de Colombia, España, Turquía, Estados Unidos y la antigua Unión Soviética, entre otros países. Fue galardonado con el Premio Colombiano de Fotografía 2002.
Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela donde los estudiantes armonizan el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implica obtenerla. Es también un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios –en agosto de 1993- ha formado más de 2500 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.
Antonio Castañeda – Expo + Charla + Taller
Expo: 10 de julio de 2013, hasta finales de mes
Charla: 11 de julio de 2013, 8:00PM
Taller: 12 al 14 de julio de 2013
Inscripciones: (0212) 257.9745
Lugar: Roberto Mata Taller de Fotografía, Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur
Prensa: Militza Zúpan

 

Isabel Arteaga: Soy Ama de Casa – Hacienda La Trinidad Parque Cultural

Hasta el : 7 de enero de 2013

Haciendo a un lado los prejuicios sociales, Isabel Arteaga presenta una aproximación fotográfica a un rol que le llena y enorgullece: el de ama de casa; las imágenes se exhiben en la Hacienda La Trinidad Parque Cultural desde el domingo 9 de diciembre a las once de la mañana
En los tiempos que corren se suele asociar palabras como logros o éxito a realización profesional y todo lo que esta conlleva. La posición de Isabel Arteaga es diferente: más allá de los prejuicios o dictámenes de la sociedad, siempre tuvo claro que lo que más anhelaba era ser madre y dedicarse a la atención de su hogar y los suyos, y sobre eso versa su serie fotográfica Soy ama de casa.

“La muestra es una representación del trabajo que tenemos que realizar, día a día, las personas que decidimos -o no- ser amas de casa. Este es un trabajo de mucha responsabilidad; demanda de una cantidad de conocimientos y destrezas que suele verse como algo ‘natural’ que deben hacer las mujeres. Confrontarse a este rol puede ser una sacudida para muchas personas, no necesariamente del género femenino, que se podrían sentir identificadas. Particularmente los varones parecen ajenos a este universo, aunque son una parte esencial del mismo”, dice la fotógrafa sobre el proyecto que viene desarrollando desde 2010 y que supone una dimensión social, pues se trata de “una actividad de millones, incluso de aquellas que reciben un salario para realizarlo”.
Más que una bitácora, Soy ama de casa es un reflexión sobre la vida que Arteaga decidió llevar por convicción. “Me sumergí cámara en mano a documentar paso por paso las diferentes tareas que ocupan la extensa jornada laboral a la que se enfrentan las personas que deciden dedicarse, en cuerpo y alma, al cuidado de su familia y del hogar, y así gritarle al mundo: ¡Soy ama de casa!”.
Pese a ser un proyecto desarrollado en su hogar, la serie implicó las dificultades propias de la realización de autorretratos: enfrentar la cámara, sin perder el control. Este registro fotográfico, integrado por 16 series y 30 polaroids, se exhibe en el Secadero #5 de la Hacienda La Trinidad, del 9 de diciembre al 7 de enero de 2013; horario de visitas: martes a sábado, de 11:00am a 6:00pm, y domingo, de 11:00am a 4:00pm.
Isabel Arteaga comenzó sus estudios en fotografía en el taller de Roberto Mata en el año 2008. Desde entonces ha continuado su formación cursando talleres especializados en diversas áreas del quehacer fotográfico junto a Ricardo Jiménez, Ricardo Peña, Claudio Napolitano, Nico Baumgarten, Luca Pagliari y Antonio Briceño, entre otros profesores. Obtuvo Mención de honor en el certamen internacional Templos del Siglo XXI (Imatoria). Ha participado en diversas exposiciones colectivas; Soy ama de casa es su primera muestra individual.
Roberto Mata Taller de Fotografía es una escuela que pretende recrear un ambiente en el cual los alumnos armonicen el reto que supone la concepción de una imagen y el apoyo mismo que implique obtenerla. Asimismo, es un espacio que se dedica a promover e intercambiar ideas sobre todo lo que se refiere al hecho fotográfico. Desde sus inicios —en agosto de 1993— ha atendido más de 2500 alumnos, muchos de los cuales se mantienen vinculados activamente al Taller y a la fotografía.
Soy ama de casa – Fotografías de Isabel Arteaga
Inauguración: 9 de diciembre, 11:00AM
Cierre: 7 de enero de 2013
Entrada libre
Lugar: Hacienda La Trinidad, Parque Cultural. Secadero Nº5. Calle Rafael Rangel Sur, Urb. Sorokaima. La Trinidad, Baruta.
Hacienda La Trinidad Parque Cultural
Secadero No. 5
Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad,
Urbanización La Trinidad.
Prensa: Miltza Z163pan

El proyecto Píxeles llega a su sexta edición 

Hasta el 17 de febrero de 2012 

Píxeles 2012 en su sexta edición ha convocado a 12 nuevos artistas a participar en el proyecto, iniciado en abril del 2006. Como invitados especiales contaremos con la presencia del maestro venezolano Harry Abend y del artista peruano Jorge Cabieses.

La convocatoria de este año intenta abarcar distintas expresiones, tales como el dibujo espontáneo, la pintura tradicional, la nueva escultura y dándole una importante presencia a los medios fotográficos contemporáneos (desde lo documental a lo conceptual).
Como introducción a la presente edición se exhibirá Píxeles: Antología, una retrospectiva que presenta una selección de los artistas que han participado en anteriores ediciones de Píxeles, que hasta el momento cuenta con la colaboración de más de cien artistas.

Sobre el proyecto
En el comienzo, el proyecto Píxeles fue un relato curatorial, un proceso de exhibición cuyo fin era presentar un gran abanico de artistas de diferentes generaciones y tendencias en una sola exposición. Un pequeño mapa de la plástica en Venezuela. Así, se dió el encuentro afortunado de las obras de jóvenes artistas que todavía trabajaban en los talleres del instituto de arte, con las obras de artistas de gran trayectoria. Cada obra en este contexto será a partir de ahora llamada píxel.
La primera edición de Píxeles (#1) fué en abril de 2006, debido a la receptividad e interés generado tanto en artistas como en el público general y coleccionistas, se ha producido una convocatoria anual como evento estable de la galería, incorporándose nuevos artitas venezolanos y latinoamericanos, con la única premisa de formato 24 x 24 centímetros.
Píxeles #6, 2012/ Artistas convocados
Harry Abend
Lisa Blackmore
Jorge Cabieses
Arsenio Felipe Reyes
Nano González
Víctor Julio González
Cristina Matos-Albers
Sandro Pequeno
Daniela Quilici
Carlos Luis Sánchez
Anita Reyna
Alberto Blanco
Apertura de exhibición: Sábado, 1 de diciembre de 2012. 11:00 a.m
Clausura: 17 de febrero de 2012
GBG Arts
Avenida Principal de Prados del Este. Galpón #2. Caracas, 1080. Venezuela
Teléfonos: +58 212 975 22 09 / +58 412 213 36 19
www.gbgarts.com
Horario de atención al público:
Martes a Viernes: 09:30am – 12:30m / 03:00pm - 06:00pm
Sábados y Domingos: 11:00am – 03:00pm
Prensa GBG Arts

El País entrañable de Vladimir Sersa

Hasta Febrero 2013
El imaginario fotográfico de un país está constituido por aquellas representaciones que trascienden y se convierten en una referencia a través del tiempo, pasando del visor de sus autores al colectivo. En el desarrollo de la fotografía venezolana del siglo XX, se experimentaron varios momentos importantes; uno de ellos estuvo ligado a la conformación, en los años treinta del siglo XX, de la nueva cultura urbana, iniciada por migraciones desde las zonas rurales atraídas por la explotación petrolera y el creciente desarrollo industrial de entonces. En las grandes ciudades se dieron las condiciones para que los implementos y equipos necesarios para el ejercicio de la fotografía se pudiesen obtener con facilidad. Además, junto a las compañías petroleras llegaron fotógrafos que dieron aportes al creciente grupo de hombres y mujeres que hicieron de la fotografía una afición y, en muchos casos, un oficio. Los géneros más abordados fueron el paisaje y el retrato, por medio de los cuales se constituyó la visión moderna de país.

Sin título, 1980 Caracas, Distrito Capital

Más adelante, en los años sesenta, con los trascendentes acontecimientos sociales y políticos ocurridos en Latinoamérica y el mundo, como los movimientos de izquierda, el Mayo Francés, el activismo pacifista en contra de la guerra de Vietnam, la Guerra Fría, el movimiento feminista, las acciones en contra de la segregación racial y la contracultura, se estimuló el desarrollo de una fotografía interesada en temáticas ligadas a los cambios sociales, que se proponía plasmar en imágenes lo que estaba aconteciendo. Esta fue la llamada fotografía documental, ya conocida desde inicios del siglo XX en el registro de las guerras mundiales y otros sucesos de importancia. Se trata del género que testimonia e informa, mostrando en algunos casos la visión personal del autor sobre el hecho fotografiado.
Desde finales de los años sesenta y comienzos de los setenta, el documentalismo toma fuerza en Venezuela. Uno de los fotógrafos más activos de este movimiento fue Vladimir Sersa, quien de manera individual y como miembro del colectivo El Grupo, recorrió el país, un territorio poco conocido hasta ese momento por los citadinos. Sersa desarrolla un trabajo minucioso que expresa una conciencia social en torno a la dura realidad existente en muchas regiones venezolanas. Por otro lado, y simultáneamente, revela hermosas imágenes de la geografía nacional. De esta forma se descubren Atarigua, Aroa, Jajó, San Lorenzo, Mucuño, Maurica, Marapa, Aregue, Bobures, Cabruta, La Azulita y Manicuare, solo por nombrar algunas de las poblaciones reseñadas en la exposición, lugares del a veces llamado interior del país, término con el que se mira de lado a los territorios alejados de las grandes ciudades, haciéndolos parecer como zonas de atraso, donde no ha llegado el progreso, como si para evaluarlos se requiriera solo el análisis de los aspectos económicos y la concentración poblacional.

Sin título, 1986 Mina El Perú El Callao, estado Bolívar 

El trabajo de Sersa aborda criterios ecológicos, culturales, biológicos y geográficos para darle a cada región del país su justo valor, al captarlos con su cámara en innumerables viajes, conformando un archivo personal de gran valor documental, ya sea en sus paisajes, retratos, zonas urbanas y rurales, en blanco y negro y en color.
Sin dejar a un atrás los valores estéticos, Sersa hace de sus fotografías algo más que un documento, ya que conjuga el respeto en el tratamiento de la escena fotografiada (sin manipulaciones ni trucajes) y el manejo de una poética con los elementos que conforman la imagen, destacando la presencia serena del silencio, que invita a descubrir otros significados que el espectador puede construir desde su experiencia. Además, se abordan temas específicos que denotan la diversidad cultural del venezolano a través del retrato en contexto y fotografías de elementos religiosos en ritos y cementerios. Quizás uno de los aspectos más importantes a destacar de esta muestra, es el uso de la fotografía a color, y la convivencia de esta con imágenes en blanco y negro, lo que constituye una novedad en su trabajo, ya que ofrece aportes significativos al imaginario del país desde el lenguaje del color.

Sin título, 1993 Barbacoas, estado Sucre

La exposición está estructurada en cuatro grupos temáticos. El primero de ellos, País mosaico, está conformado por paisajes naturales, urbanos y rurales; el segundo, Moradas, que muestra viviendas rurales y urbanas, es un acercamiento temático al tercer grupo, Del ser y su presencia, donde el autor se acerca a la venezolanidad desde el retrato en contexto y otras escenas que, sin ser retratos, presentan al ser humano como protagonista. Por último, bajo el título Paz en el alma, destaca la búsqueda estética a través de imágenes que presentan aspectos religiosos y lugares rituales (cementerios), un tema usualmente desarrollado en blanco y negro.
Analizando el trabajo de los fotógrafos venezolanos en las últimas décadas, nos encontramos que Vladimir Sersa es y seguirá siendo un referente importante en la fotografía documental venezolana para las nuevas generaciones de creadores visuales, especialmente aquellos que se dan a la tarea de valorar la importancia de la imagen del país y su gente, desde los cuatro puntos cardinales de su geografía.
Luis Chacín

País entrañable. Fotografías de Vladimir Sersa
Museo Alejandro Otero, Sala 5
Noviembre 2012 – Febrero 2013
Nro. de obras: 58 fotografías
Exposición organizada conjuntamente entre el Museo Alejandro Otero y el Museo Nacional de la Fotografía
Coordinación General
Yuri Liscano
Luis Chacín
Selección de obras, investigación y texto
Luis Chacín
Museografía
Daniel Trujillo
Museo Alejandro Otero
Complejo Cultural La Rinconada, Caracas, 1090. Venezuela
Teléfonos: (0212) 682.18.14 / 09.41 / Telefax: 682.71.59
Museo Nacional de la Fotografía
www.fmn.gob.ve

 Exposición Obra Reciente de Amalia Caputo - fotografías y Esperanza Mayobre - Dibujos

Galería Artepuy y La Caja del CCCH exponen obras de Amalia Caputo y Esperanza Mayobre 

Hasta febrero de 2013

A través de esta propuesta, dialogan las diversas variables que rodean los trabajos creativos de estas artistas, como son el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance.

Como parte de los programas de alianza que viene realizando Cultura Chacao con otras instituciones, se presentará un proyecto expositivo con la obra reciente de las creadoras venezolanas Amalia Caputo y Esperanza Mayobre, que será inaugurado este domingo 18 de noviembre a las 11:30 a.m. en la Galería Artepuy, y el domingo 25 de noviembre en La Caja del Centro Cultural Chacao.

Amalia Caputo

Con la curaduría de Lorena González, este proyecto trae al país la producción visual de dos creadoras venezolanas residenciadas en el extranjero –Amalia Caputo en Miami y Esperanza Mayobre en Nueva York– a través de una propuesta expositiva donde dialogan las diversas variables que rodean sus trabajos creativos, como son el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance.
“En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder”, mientras que para Esperanza Mayobre “es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen”, según señala Lorena González en el texto de presentación de ambas salas.

Esperanza Mayobre

La primera estación de este engranaje curatorial tendrá lugar en la Galería Artepuy desde el 18 de noviembre, donde se presentará un pequeño recorrido por los trabajos más relevantes de Amalia Caputo, e imágenes de su producción más reciente que dan cuenta de las mitologías convulsas que a través de la imagen esta creadora capitaliza; así como también, una muestra con los dibujos más recientes de Esperanza Mayobre, con énfasis en la delicada inserción que la artista elabora sobre el papel, un camino de tramas infinitas que remiten a la pulsión física de estructuras que parecen levantarse, y al mismo tiempo sugieren un amasijo de consecuencias desperdigadas.
Para complementar el proyecto, La Caja del Centro Cultural Chacao exhibirá desde el 25 de noviembre los procesos más instalativos y performáticos de ambas creadoras en sendas muestras. Transferencias de Amalia Caputo, “contempla una instalación conformada por un conjunto de series donde se articulan las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato”, afirma la curadora.
Por su parte, Esperanza Mayobre presenta en La Caja del Centro Cultural Chacao la instalación 'Tierra a la vista' en la que refleja la fragilidad de la imagen, por medio de un video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante, en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. A juicio de Lorena González, “El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema”.
Obra reciente de Amalia Caputo (fotografías) y Esperanza Mayobre (dibujos)
Del 18 de noviembre hasta febrero de 2013
Galería Artepuy
Calle California con Calle Jalisco. Las Mercedes
www.artepuy.com
De lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.
Transferencias de Amalia Caputo y Tierra a la vista de Esperanza Mayobre
Del 25 de noviembre hasta febrero de 2013
La Caja del Centro Cultural Chacao
Avenida Tamanaco de El Rosal
www.culturachacao.org
De martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.
Prensa: Zoraida Depablos

Amalia Caputo / Esperanza Mayobre

La obra de un artista contempla un proceso amplio de circunstancias, logros, caminos y vicisitudes que van consolidando su propia trayectoria. La exhibición es el momento crucial donde dispone sus hallazgos en confrontación directa con el espacio museográfico y el espectador. Focalizados en evaluar algunos puntos de este recorrido, el Centro Cultural Chacao y la Galería Artepuy se han unido para recibir la producción visual de dos creadoras venezolanas que residenciadas en el extranjero traen a nuestro país las resonancias de varios de sus procesos actuales, un itinerario donde el video, la fotografía, el dibujo, la instalación y el performance abren las puertas de un nutrido diálogo entre las diversas variables que rodean los períodos individuales de la creación.

En el caso de Amalia Caputo la fotografía se despliega como el discurso crítico que le permite abordar estereotipos y asignaciones del orden hegemónico de políticas poco equivalentes a la hora de evaluar los discursos de género y el rol social de la mujer dentro de las organizaciones del poder. En el caso de la Galería Arte Puy, un pequeño recorrido por los trabajos más relevantes así como imágenes de su producción más reciente, dan cuenta de las mitologías convulsas que a través de la imagen esta creadora capitaliza: dinámicas impalpables de una reflexión interna que se universaliza en los ritos de un cuerpo en tránsito complejo entre la demanda del adentro y las legislaciones del afuera. En La Caja, la sensibilidad de la imagen figurada de las grandes series se traslada al proceso interno de una fotografía que se levanta como espectáculo efímero de entrega y acción. Miles de objetos personales registrados por la artista son colocados en la puesta en escena para invitar al espectador a llevarlos con él y así convocar la reconstrucción de otro relato. Bajo el título Transferencias la instalación engrana las diversas narrativas de una imagen que se ensambla y se desplaza al mismo tiempo en el espacio expositivo: la memoria privada del objeto, el presente activo de una fotografía que lo ha capturado y el futuro incierto que construirá el nuevo vínculo que establecerá con el afuera luego del desprendimiento.

Para Esperanza Mayobre es el tránsito de la existencia el evento crucial que convoca una buena parte de sus problemáticas visuales. Estructuras, quiebres, fracturas e inéditas recomposiciones consolidan armazones en movimiento constante, perspectivas de una contingencia que se suscribe desde inestabilidades más allá de la imagen. Sus dibujos más recientes estarán en la Galería Arte Puy, reforzando en la delicada inserción que la creadora elabora sobre el papel, un camino de tramas infinitas que remiten a la pulsión física de estructuras que al tiempo que parecen levantarse, también sugieren un amasijo de consecuencias desperdigadas. En la instalación Tierra a la vista exhibida en La Caja del Centro Cultural Chacao, esta misma fragilidad es reflejada por el video performance que la artista realizó con una apropiada bandera del inmigrante en un recorrido desde la Estatua de la Libertad hasta la sede de Las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York. El itinerario además de topar con una cartografía relevante en torno al tema de la inmigración también destaca las oscuridades de una situación vital que se debate en el ejercicio de realidades forzadas por la crisis, la intolerancia y la necesidad extrema. En esta oportunidad el asta de la bandera culmina en un instrumento de limpieza con el que va recopilando la tierra indefinida del ciudadano que ha abandonado el propio terruño: límites, bordes y rastros perdidos de esas zonas de deterioro tan predominantes en los simbolismos e ilusiones globales de nuestro presente actual.

Lorena González

En la Fundación Banco Industrial de Venezuela el arte se viste de gala.

Una Deriva Urbana

Fotografía Luis Chacín

Fotografía Coromoto Ramírez

En esta muestra expositiva, los fotógrafos Coromoto Ramírez, Félix Hernández y Luis Chacín, indagan en la iconografía social, los focos de relaciones formalmente estructurantes en las que el signo y el símbolo funcionan como entes comunicativos y alienantes a la vez.

La Ciudad que Vemos

La Ciudad que vemos

          Doce visiones muy particulares presentes en esta propuesta. Visiones que de una manera u otra buscan interpretar el dinamismo contemporáneo del contexto citadino. Diferentes técnicas se evidencian a través de la pintura, la escultura, la fotografía y la instalación. Participantes: Juana Flores, Hugo Mariño,  José Guacache, José Moret, Vladimir Sersa,  Miguel Ruíz, Carlos Vielma, Ingrid Lozano, Rossel, Ygnacio Mejía,  Julián Bulfón y José Caldas.

La nota es Venezuela

  Albert Alexander Almarza
Caricaturas de Músicos Venezolanos.
@almarzaale
Esquina de Traposos, Entre la Hoyada y Capitolio Fundación Banco Industrial de Lunes a Viernes de 8 a 12 y de 1:30 a 4 pm

Des-Trames: Nueva exposición de Asdrúbal Colmenárez en Galería Medicci

Des-Trames: Nueva exposición de Asdrúbal Colmenárez en Galería Medicci 

“Para mi lo más importante no es sorprender al espectador. Para mi lo más importante es sorprenderme a mi mismo, porque yo creo que el artista no debe hacer una obra, el artista debe hacer creación. Este es mi punto de vista. El primer sorprendido con lo que consigo soy yo. El artista no hace nada en una torre de marfil. Uno es parte de una sociedad, de un conglomerado, de un país”.

Este es la base del pensamiento de Asdrúbal Colmenárez, tal y como se lo manifestó a José Pulido en reciente entrevista que aparece publicada en este catálogo. Lo resume todo. No hay dudas. No hay espacio para interpretaciones. Para Colmenárez, su trabajo cotidiano no es una rutina de pintar por pintar. Es un proceso de -búsqueda, investigación y creación- permanente a que este creador ya nos acostumbró durante tantos años y, que a pesar del tiempo, permanece tan activo como -novel iniciado en la búsqueda- de su propio destino en ese mundo que nunca termina, la creación artística. Asdrúbal Colmenárez ha mantenido esa permanente búsqueda de la sorpresa propia, que a la vez nos sorprende a todos nosotros durante su larga trayectoria que inició allá por los años de 1950.

Colmenárez no es el artista que se aprovechó de la repetición de temas e imágenes exitosas donde la leve modificación de la anterior se convirtió en rutina de producción, tampoco cayó en elaboración de líneas, juegos de colores o impactos visuales tan populares en sus inicios. Él fue más allá, cumplió a cabalidad con el requisito -básico del artista-, reflejar en la obra su naturaleza personal, su propio e íntimo ser, colmarla con su personalidad y dejar un legado que sorprenda y trascienda permanentemente, así lo ha trasmitido a los veedores de sus obras como a sus innumerables alumnos a través de largos años de enseñanza en la Universidad de Paris.
En las cinco exposiciones individuales anteriores que Asdrúbal Colmenárez ha presentado en Galería Medicci, -Nómadas, Penas de amor perdidas, El viaje de Ulises, Voyage y Erotika- y en otras muestras museísticas hemos visto un cambio de temática que algunos podrían pensar que es un tanto absoluto o quizás voluble. Pero cada cambio ha sido el producto de una intensa investigación que termina en una nueva etapa de su obra que siempre está en permanente evolución y mantiene, sorprendentemente, sus elementos básicos, signos y lenguajes tan propios del artista. Acciones colmadas de símbolos, objetos de collage, dibujos de elementos de collage, dibujos de elementos marinos o simplemente escenas eróticas, sutiles o no, Asdrúbal muestra sus investigaciones y vías para comunicárnoslas, de una temática a la siguiente, su deseo de sorprenderse y sorprendernos siempre está presente, lo ratifica aún más en este nueva muestra donde la tela descompuesta, deshilachada o maltratada se convierte en el centro de la atención.

A finales de los años 1700, se inventa el primer telar. Son los ingleses Richard Arkwright, John Kay y Thomas Highs quienes se atribuyen la invención del telar. Solo en 1801, el francés Joseph Marie Jacquard inventa el telar mecánico, capaz de producir complicados diseños de telas mediante la intersección de hilos verticales o -urdimbre de la tela- e hilos horizontales conocidos como - la trama de la tela-. Asdrúbal Colmenárez se tomó el tiempo y la paciencia necesaria para ir al contrario, a la inversa del proceso original, él deshilachó la tela y descompuso su imagen original, la convirtió en simplemente hilos, la destramó.
En esta nueva exposición, - Des-Trames -, el artista nos lleva, con un fin especifico, al proceso inverso de la fabricación de la tela. Es un deshilachado del tramado original que se agrega o sobrepone a la tela que sirve de soporte a la obra, la primera tela. Una rica compenetración de ambas nos permite observar cómo va transformando ambas imágenes para producir una nueva, distinta, fresca y sorprendente. Una imagen que sorprende por igual al que la crea y al que la mira.

“La tela deshilachada finamente se transforma en una suerte de transparencia, de portal que conduce el ojo hacia otra dimensión. La tipografía de todas las lenguas, los mapas, los números, el grafiti, la atmósfera de lo urbano inspiran otras miradas y fecundan una especie de misterio, quizás porque hay algo oculto en esa suerte de espejo”, nos confiesa Colmenárez en la entrevista que sostuvo con José Pulido.
Eduardo Planchart Licea nos cita en el texto crítico del catálogo: “Se hace eco de su tiempo con la incorporación estética de nuevos materiales y técnicas. Esto ocurre en el objeto encontrado de la tela deconstruida como parte de la cotidianidad, que transmite transparencia, y elementos plásticos azarosos entre los que se encuentran las formas impresas que van desde diseños florales, cartografías, animales, cómics que acompaña de caligrafías con plantillas, calcomanías, gestos pictóricos, sellos, fotografías y fotocopias”.
Con esta nueva exposición individual, “Des-Trames”, Asdrúbal Colmenárez culmina por ahora, su paso por Caracas en este año 2012, año fructífero donde en corto tiempo nos mostró sus investigaciones sobre la robótica y el dibujo, un relanzamiento de los Sicomagnéticos y la muestra de los Alfabetos Polisensoriales (a ser exhibida en la FIA 2012). Cuatro eventos que forman todo un gran conjunto de temas, técnicas y épocas que nos ratifican las cualidades creativas de este gran artista.
Colmenárez ha sido consistente y consecuente no solo con su obra sino con los que de alguna manera lo rodean. Hombre de reconocida bonhomía, es siempre una fuente de apoyo para jóvenes artistas que buscan soporte u orientación, su larga trayectoria educativa en Paris, además de poner en alto el gentilicio nacional, le facilita la labor de apoyar artistas emergentes. Sin pretender nada a cambio, sin exigir retribución alguna.

Tomas Kepets
Director
Mayo del año 2012

Asdrúbal Colmenárez
Des-Trames
Inauguración: 15 de julio de 2012
Galería Medicci
Calle París con Nueva York, Edf. Themis Mary, PB.
Las Mercedes. Caracas
www.medicci.com
Teléfono: (58)(212) 992.3902 / 992.3095
Horario
Martes a Sábado: 9am-5pm
Domingos y Lunes: Cerrado

Mariflor Blaser expone sus ‘Reflectantes’ en la Galería GSiete

Mariflor Blaser expone sus ‘Reflectantes’ en la Galería GSiete

La Galería Gsiete presenta en los espacios de la tienda una muestra de la fotógrafa venezolana Mariflor Blaser, bajo el título de “Los Reflectantes”, la cual reúne una serie de piezas intervenidas con pintura para crear distintos planos y texturas sobre su trabajo fotográfico.
Observando su realidad circundante, Mariflor Blaser capta paisajes y personas de la vida cotidiana y al manipular esos perfiles y contornos de la ciudad ellos se tornan vagos y transparentes, para sugerir misterios ocultos y espacios de espiritualidad.

Artista plástica, fotógrafa y cuentista, Mariflor Blaser trabajó el dibujo con la profesora Ina Bainova en 1998 y desde entonces ha trabajado con el pintor chileno Héctor Villalobos, además de los artistas venezolanos Jorge Estrada y Gilberto Ramírez.
Como fotógrafa comenzó a crear imágenes en forma autodidacta en el año 2005 y desde el año 2009 trabaja en un taller continuo con Ricardo Jiménez enfocándose en la fotografía documental y abstraccionista. Participó en el taller “The Unseen Landscape” con el fotógrafo norteamericano Henry Horenstein en agosto del 2011.

En Febrero del 2011 participó con la serie “Variaciones sobre un mismo tema” en una exposición colectiva en la Galería Casa Cuadrada de la ciudad de Santa Fé de Bogotá, Colombia. Actualmente expone en la sala de arte de la Patisserie Aleri en Palma de Mallorca con un trabajo fotográfico titulado “Zoo”.
El público podrá apreciar la obra de esta artista a través de la exposición “Los Reflectantes”, que se estará presentando hasta el 12 de agosto, en la Galería G Siete, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m. Entrada libre.

Mariflor Blaser
Los Reflectantes
Hasta el 12 de agosto de 2012
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes

Robóticas de Enrique Moreno

Robóticas de Enrique Moreno en la Sala 11 del Museo de Arte Contemporáneo

Ensamble de objetos domésticos en desuso, máquinas desarmadas emitiendo sonidos y metales atraídos hasta dibujar formas en el espacio conforman la atmósfera que el artista plástico Enrique Moreno crea en la muestra Robótica precaria. Un total de ocho piezas llamadas Chaca-chaca, Columnas, Vlouer, Zaranda, Synchronous motor, Wro, 4x2, Lou fai y Antena Noreste integran la exposición recreada con cables, alambres, motores de carros y otros materiales que, juntos, crean sonidos desgarradores parecidos a la cotidianidad y ajustados a la técnica contemporánea de la plástica.  

Robotica precaria se mantendrá abierta al público todo julio, de 9:00 de la mañana a 5:00 de la tarde.

Fotografía Gladys Calzadilla

Ramsés Larzábal ‘Ser, To be, Être’ y Paul Signac Gráficas

 Exposición: Paul Signac "L'Olympia: Impressions intimes d' une âme errante" en Fundación D.O.P. 

Obras realizadas entre 1890 y 1933 en sus continuos viajes en "La Olympia", barco en el que navegó practicamente toda su vida mientras desarrollaba su obra. Una selección de estos mundialmente celebrados y difíciles de encontrar grabados (al aguafuerte, al aguatinta, a punta seca)

 

Ramsés Larzábal expone ‘Ser, To be, Être’ en La Fundación D.O.P.

Lunes 09 de Julio de 2012
 

En las Salas 2, 3 y el Espacio Metamórfico de la sede en Caracas de La Fundación D.O.P., se lleva a cabo la exposición "Ser, To be, Être" del artista cubano (residenciado en Venezuela) Ramsés Larzábal. Una experiencia diferente, sin antecedentes en nuestro país en la obra del artista que parte de la definición de Ser como el atributo filosófico griego que se le adjudica a una entidad capaz de definirse a sí misma frente a un medio.

Una instalación de enormes proporciones concebida por el artista especialmente para este espacio. Una obra que como el ser es un objeto capaz de evaluar las transacciones de cargas entre el medio y el sistema que es capaz de observarse a sí mismo, que trasciende y rebasa todos los entes sin ser ella misma un ente, es decir, sin que ningún ente, por muy amplio que sea y se presente, la agote.Una obra que nos permite, más allá de posicionarnos como simples expectadores, a participar, ser y formar parte de los dibujos y garabatos del artista, que nos permite penetrar dentro de ellos, relacionarnos, encontrarnos en su interior y mirar desde allí aún más adentro y hacia afuera mientras nos vamos fusionando involuntariamente con sus complejos trazos.

Usted podrá apreciar un conjunto de obras contentivas de elementos que ya forman parte de la identidad del artista, que representan una reflexión del paisaje interiorizado en su memoria y donde busca expresarnos sus más sinceras emociones. Un espacio sensorial que nos invita a descubrir los contenidos que se pueden predicar del ser.
Ramsés Larzábal
Ser, To be, Être
Hasta el 26 de agosto 2012
Martes y miércoles de 2:30 p.m. a 6:00 p.m.
Jueves a sábado de 2:30 p.m. a 7:00 p.m.
Domingos de 11:30 a.m. a 5:00 de la tarde. Lunes cerrado.
Fundación D.O.P.
Avenida Principal de las Mercedes, Torre D.O.P.
Multicentro Las Mercedes (entre calles Monterrey y Mucuchíes), Caracas.
Teléfonos: +58-212-3260226 / +58-212-3260227
Tel-Fax: +58-212-9939590
www.fundaciondop.org
www.dopfoundation.org
Fuente: Prensa Fundación D.O.P.

Ketty Violo El Infinito es Transparente Obra en Papel

El Papel protagoniza exposición de Ketty Violo en la Galería G Siete

Lunes 09 de Julio de 2012

El Infinito es Transparente

El papel como medio de expresión protagoniza la exposición “El infinito es transparente”, primera individual de la artista venezolana Ketty Violo, que se exhibirá desde el domingo 08 de julio a las 11:00 de la mañana, en la Galería G Siete del Centro de Arte Los Galpones, donde podrá visitarse hasta el 12 de agosto.
La muestra está conformada por un conjunto de 30 obras en variados formatos, que resumen más de dos décadas de trabajo constante a partir de los collages de su primera época, hasta la obra tridimensional que le ocupa hoy día, tal y como afirma en el texto de presentación la curadora e investigadora de artes visuales Bélgica Rodríguez.

“Pájaros blancos que vuelan con el viento, cascadas de papel que guardan secretos en el agua, ofrenda a la poesía de la vida, obra para ser mirada por el espectador en el recogimiento del silencio para conducirlo hacia infinitos y dulces fuegos transparentes. Con amor y pasión la artista se enfrasca en su quehacer con el papel, habitando la misteriosa transparencia del espíritu”.
El leit motiv de Ketty Violo es el papel, y su técnica el collage, según advierte la especialista. “Ella rompe y corta el papel para, con delicadeza y rigurosa precisión, recomponer esa fragmentarización sobre el soporte que es también papel. Utiliza muchos y variados tipos de papel, lisos, con texturas, coloreados, impresos, con relieves, con dibujos, tapiz, a veces utiliza gasas, telas, hasta elementos como plásticos de frágil consistencia y laminillas de madera… Las composiciones que logra a partir de la disposición de los fragmentos de papel, a veces parecen paisajes alucinantes, otras fantásticas abstracciones hasta ser poesía visual con la que el espectador se relaciona afectivamente”.

De igual forma, Bélgica Rodríguez resalta la importancia del equilibrio entre la estructura conceptual, basada en la personalidad del papel (color, textura, diseño, decoraciones, volumen), y la estructura formal, basada en esquemas constructivistas y cinéticos, donde juegan otras cualidades del material como la transparencia, la opacidad, consistencia o fragilidad. Nacida en Caracas en 1952, Ketty Violo se interesó desde 1990 en la fabricación del papel como recurso artístico, desarrollando a partir de allí un lenguaje de abstracción que ha ido enriqueciéndose con el aporte de diversos elementos, tecnologías y constante investigación. En 1998 le fue otorgado el reconocimiento AGPA (Artes Gráficas Panamericanas) auspiciado por el TAGA (Taller de Artistas Gráficos Asociados / Luisa Palacios) y Smurfit de Venezuela; y 2001 recibió Mención Honorífica en el marco del I Salón de Arte / Exxon Mobil de Venezuela, en el Museo Sacro de Caracas. Su obra se ha exhibido en galerías, museos e instituciones de Venezuela, Korea, Guatemala y Estados Unidos, además se encuentra representada en colecciones privadas de América, Europa y Oceanía.

El público podrá apreciar la obra de esta artista a través de la exposición “El infinito es transparente”, que se estará presentando del 08 de julio al 12 de agosto, en la Galería G Siete, ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros. El horario de exposición es. de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m. Entrada libre.
Ketty Violo
El Infinito es Transparente
Del 8 de julio al 12 de agosto de 2012
Galería Gsiete
Centro de Arte Los Galpones
Av. Avila con 8va transversal, Los Chorros, Caracas, Venezuela
Tel: 58 212 524 6661
Prensa: Marisela Montes

Mirar el Olvido Galeria CAF

“Mirar el olvido”, libro de artista, reflejo de la integración

FECHA: 27.06.2012 - 27.08.2012

Tres autoras, una venezolana, una brasilera y una francesa se unieron para producir este libro único, cuyo proceso puede ser visitado en la Galería CAF. Con este sugerente título, CAF inaugura una nueva muestra abierta al público por cinco semanas.

(Caracas, 20 de junio de 2012).- Mirar el olvido, es el sugerente nombre de la exposición que a partir de hoy estará abierta al público en la Galeria CAF. Kika Levy (Brasil), Anne Louyot (Francia) y Lihie Talmor (Venezuela), se unieron para crear artesanalmente un libro de artista en el cual se conjugan obras gráficas y poemas, haciendo uso de técnicas milenarias de la impresión. Para Enrique Garcia, presidente ejecutivo de CAF –banco de desarrollo de América Latina- “Mirar el olvido logra la integración sutil de obras de tres personalidades creativas que expresan tres culturas reunidas en una edición limitada de un libro realizado en tres técnicas de la impresión artesanal -grabado, litografía y serigrafía-, y en tres idiomas: español, francés y portugués”. Es una manera de continuar promoviendo la integración, esta vez desde el punto de vista cultural y artístico. El intercambio de ideas y experiencias de estas creadoras, comenzó en el taller de grabado de Kika Levy en Sao Paulo, Brasil, y terminó imprimiéndose en el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA), en Caracas, Venezuela. El libro reúne las obras gráficas de la brasileña Kika Levy y la venezolana Lihie Talmor con textos de la francesa Anne Louyot. La Galería CAF ofrece este libro de artista, inédito en todo su despliegue de páginas, poemas e imágenes que evocan la memoria en un llamado al olvido para deleitarse en él. La exposición estará abierta desde el 21 de junio, por cinco semanas. La entrada es libre y el horario de lunes a viernes de 10 am a 5 pm y los domingos de 11 am a 3 pm.